Filmblog

Comedy Central startet im deutschen Kabel-TV

2007-01-14T19:40:00.000+01:00

Am Montag, 14.01.2007, startet die deutsche Version von Comedy Central im Kabelfernsehen auf dem bisherigen Sendeplatz von Viva Plus. Zwar gibt's keine guten Filme zu sehen, dafür aber zwei sehenswerte Comedyserien, die im deutschen TV bisher noch nicht zu sehen waren und die an dieser Stelle ausdrücklich empfohlen werden müssen.

Die eine läuft Dienstags um 20:15 und heißt Extras. Erfinder und Hauptdarsteller ist Ricky Gervais, Erfinder der britischen Variante von Stromberg. Es geht um einen miesen Schauspieler, der sich als Komparse an großen Filmsets herumtreibt und in jeder Folge einen anderen Promi-Schauspieler nervt, z.B. Ben Stiller, Samuel L. Jackson, Kate Winslet uvm. Die US-Variante des iTunes-Onlineshops bietet die erste Folge der zweiten Staffel zum kostenlosen Download an. Das Titanic-Magazin ist übrigens schwer begeistert.

Die zweite Serie läuft Donnerstags um 20:15 und heißt Arrested Development. Eigentlich eine klassische Sitcom, allerdings hat sie einige Eigenschaften, wie sie z.B. auch in Stromberg zu finden sind, keine Lacher aus der Konserve, eine verwackelte Handkamera, die den Doku-Stil andeutet und trockene Pointen. Es geht um die Familie Bluth. Vater Bluth wird wegen diverser Steuervergehen eingebuchtet. Sein Sohn Michael muss die verwöhnte, neureiche Mischpoke ständig aufs neue an den Ernst der Lage erinnern. Die Titanic ist auch dieser Serie nicht abgeneigt.
Für beide Serien gilt Sehbefehl! Wer sich vorab schon von der Genialität von Arrested Development überzeugen möchte, kann sich bei MSN überzeugen. Dort werden bisher die ersten 11 Episoden im O-Ton gestreamt.

Extras bei Comedy Central • IMDB • Wikipedia • Titanic • iTunes
Arrested Development bei Comedy Central • IMDB • Wikipedia • Titanic • MSN

Jagshemash!

2006-10-22T16:13:00.000+02:00

Helge Schneider auf Englisch. Kann das funktionieren? Wohl kaum. Es gibt einfach eine Form von Humor, die sich schwer oder gar nicht übersetzen lässt.
Und genau das trifft auch auf Borat zu. Wer Borat noch nicht kennt und des Englischen einigermaßen mächtig ist, der schaue sich bitte zunächst den folgenden Trailer an.

Borat ist Journalist aus Kasachstan und reist in die USA, um eine Reportage über die dortigen Sitten und Gebräuche zu drehen. Borat wird vom britischen Komiker Sascha Baron Cohen zum Leben erweckt - der gleiche Typ, der auch Ali G. erschaffen hat. Eigentlich geht Cohen mit seiner Borat-Figur konsequent den Weg, den er mit seiner Ali G.-Figur angefangen hat, bis zum bitteren Ende. Und das heißt jenseits aller denkbaren politisch korrekten (Geschmacks-)Grenzen. Mit seiner Ingnoranz gegenüber Zigeunern, Juden, Schwulen und natürlich Frauen lockt er seine amerikanischen Interviewpartner fast immer aus der politisch korrekten Deckung.
Am zweiten November läuft Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan auch bei uns im Kino und zwar in einer synchronisierten Fassung, bei der es einem die Schuhe auszieht.

Vor einiger Zeit kursierte noch ein Trailer durchs Netz, in dem es nur Untertitel gab. Das wäre sicher die elegantere Lösung gewesen. Denn synchronisiert wird die Kunstfigur Borat bestenfalls zur mittelmäßigen Kaya-Yanar-Imitation. Und das ist einfach schade. Die Tatsache, dass dieser Film für das deutsche Publikum vollständig übersetzt wird, zeigt wie wenig man dem Gespür für Komik und den Englischkenntnissen der Zuschauer hierzulande traut. Das Problem der Synchronsiation ist weniger das der Gefahr des Nichtverstehens auf Seiten der Zuschauer, als vielmehr ein Problem der Kastration der Kunstfigur Borat. Mit der Übersetzung nimmt man der Figur ihre Genialität. Cohen verkörpert diese Figur so kompromisslos wie es ein deutscher Synchronsprecher einfach nicht kann.
Den synchronisierten Dialekt kann man bestenfalls halbherzig nennen. Und das ist ein Phänomen, dass sich auch in synchronisierten Spielfilmen oder Serien zeigt. Wenn in Hollywood das Drehbuch eine(n) Deutsche(n) vorsieht, wird einfach ein(e) Deutsche(r) verpflichtet. Da kommt der Dialekt quasi gratis daher und das auch noch 100% authentisch. Man denke nur an die ganzen Nazis in den Spielberg-Filmen.
Bei Borat handelt es sich allerdings eher um einen Dokumentarfilm. Und da hört man gleich die nächste Schieflage. Wenn man sich Dokumentationen anhört, die von professionellen Synchronsprechern und Schauspielern gesprochen werden, hat man ständig das Gefühl etwas zu verpassen bzw. etwas nicht mitzukriegen. Man kann das sehr schön auf Arte analysieren, wo wochentags um 20:15 regelmäßig (meistens französische) Dokus in genau dieser Mache daherkommen. Sie sind als Reality-Dokus ohne Hintergrundsprecher angelegt. Professionelle Schauspieler versuchen Authentizität mit Bühnensprache zu heucheln, was sich immer wieder schräg und unpassend anhört.
Beim Betrachten von Borats Interviews wünscht man sich Untertitel und etwas mehr Vertrauen in die Englischkenntnisse deutscher Kinogänger und TV-Zuschauer.

Offizielle Webseite (DE)
Offizielle Website (UK)

Weitere Ausschnitte

Tarantino + Rodriguez = Grind House

2006-10-11T18:16:00.000+02:00

Es gibt einen ersten Trailer zum Gemeinschaftsprojekt von Quentin Tarantino und Robert Rodriguez. Der Film heißt Grind House und wird vermutlich noch eine Weile auf sich warten lassen. Die beiden dicken Kumpels haben sich wohl wie schon in Sin City die Arbeit geteilt. Diesmal 50:50. Tarantinos Film im Film heißt Death Proof und Rodriguez nennt seine Hälfte Planet Terror.
Wenn man den Trailer gesehen hat, fallen einem auch keine passenderen Titel ein...

Nachtrag: Der Trailer zeigt nur Szenen aus Rodriguez' Hälfte sowie Szenen eines Fake-Trailers für einen fiktiven Film namens Machete (Ausschnitte mit Danny Trejo).

Deutschland - ein Sommermärchen

2006-09-11T13:31:00.000+02:00

Der Trailer zu Sönke Wortmanns Film über die Fußball-WM 2006:

The Da Vinci Code - Sakrileg

2006-06-04T22:58:00.000+02:00

Innerhalb einer Woche habe ich zwei Filme gesehen, die unterschiedlicher nicht sein können. Zunächst war da der Da Vinci Code. Ein Film, über den in diversen Medien nun schon wirklich genug gesagt wurde. Das Resümee dieser filmischen Umsetzung des Bestsellers von Dan Brown mit Tom Hanks (der wunderbarerweise nicht wie Tom Hanks daherkommt) und Audrey Tautou - der Versinnbildlichung der französischen Frau – in den Hauptrollen ist einfach: wer das Buch mochte oder zumindest unterhaltsam fand, wird auch den Film mögen.

Er hat alles, was ein Kinoerlebnis im klassischen Sinne mit sich bringen sollte: adäquate Darsteller, Action, eine rasante Geschichte, hier und da eine unerwartete Wendung, ein wenig Liebe, sorgfältig gewählte Bilder und am Ende der unvermeidliche Sieg des Guten.

Der Da Vinci Code unterhält, aber da hört es auch schon auf. Was dem Film ganz vehement fehlt, ist Atmosphäre. In den Louvre-Szenen am Anfang, über die im Vorfeld ein großer Bahnhof gemacht wurde, passiert im Kopf leider gar nichts. Nicht eine Sequenz lässt den Blick wandern, nichts versetzt den Zuschauer ins Staunen und die Besonderheit dieses Museums wird nicht im geringsten transportiert. Alles Dinge, die fast automatisch entstehen, wenn man selber dort ist. Weder der Regisseur Ron Howard noch Salvatore Totino (Kamera)schaffen es, den tatsächlichen Ort und seine Bilder von selbigem die gleiche Sprache sprechen zu lassen. Leider gilt dies nicht nur für den Louvre, sondern für alle anderen Schauplätze gleichermaßen.

So traurig dies auch ist, tut es dem Erfolg des Films keinen Abbruch. Wie eingangs erwähnt, funktioniert die Verfilmung nach dem „Was du gelesen hast, bekommst du auch“ - Prinzip und ist für einen kurzweiligen Kino-Abend ohne großes Nachdenken bestens geeignet.

(hier im Bild: einer der wenigen Gründe, den Film zu sehen....)

Angel-A

2006-06-04T22:50:00.000+02:00

Eine positive Überraschung stellte in dieser Woche der Film „Angel-A“ dar.
Die Geschichte, die der neue Film von Luc Besson erzählt, ist schlicht. Ihre Umsetzung ist jedoch von einer solchen Bildgewalt geprägt, dass ich auch Tage später manche Szenen noch bestens vor Augen habe.

Angel-A erzählt von einem in jeder Hinsicht zu kurz geratenem jungen Mann namens André (Jamel Debbouze). Er ist kleinwüchsig und ein Kleinkaliber-Ganove, dem seine Machenschaften über den Kopf gewachsen sind und ihm nun ernsthafte Schwierigkeiten bereiten. Er wird von der halben Pariser Unterwelt verfolgt und sieht den einzigen Ausweg in einem Sprung von einer Seine-Brücke. Während er auf eben dieser Brücke steht, entdeckt er plötzlich eine Frau, die nicht so lange zögert wie er und einfach springt. André springt nun ebenfalls, allerdings nicht mehr aus Todessehnsucht, sondern um sie zu retten. Nachdem ihm dies glückt, beginnt die gemeinsame Geschichte der beiden.

Die vermeintliche Selbstmörderin ist Angela (Supermegagigatophammermodel Rie Rasmussen), ein heißes Stück mit langen Beinen und kurzem Kleid, die André fortan nicht mehr von der Seite weicht. Sie ist ein Engel, der ihm geschickt wurde, um sein verkorkstes Leben wieder auf die Reihe zu bekommen und seine Sicht auf sich selber zu ändern. Gemeinsam mischen sie im Laufe des Films die Unterwelt auf und biegen alle krummen Dinger, die Andrés Leben zu einem großen Haufen Dreck werden lassen, gerade. Er findet mit ihr an seiner Seite den lang ersehnten Respekt. Gleichsam lernt er, sich wieder selber zu lieben und verliebt sich dabei in Angela. Sie liebt ihn trotz allem natürlich auch (seufz...) und das ist auch die einzige Komplikation weit und breit, denn es ist für Angela nicht vorgesehen, sich mit ihm einzulassen. Ist ihre Mission beendet, muß sie zurück in den Himmel. So ist das Gesetz, aber wer will schon, daß ein Film so endet?

Es mag nicht die neueste Geschichte sein und auch wenn ich noch 100 Mal in irgendwelchen Gazetten lesen muß, wie toll Rie Rasmussen doch ist und das sie nicht nur modelt, sondern auch malt, fotographiert, schreibt und ihren eigenen Abwasch macht, ist sie leider noch lange keine gute Schauspielerin. Dennoch bringt mich all das nicht davon ab, Angel-A für einen wirklich guten Film zu halten.

Die Faszination des Films liegt nicht so sehr in der Geschichte, als vielmehr in den großartigen schwarz-weiß Bildern von Paris im Herbst. Das Licht, die Schatten und deren Kontraste werden von Thierry Arbogast (Leon – der Profi, Im Rausch der Tiefe, Das fünfte Element) derartig faszinierend eingefangen und fotografiert, daß die Handlung und die leider nicht durchgehend überzeugenden Darsteller manchmal vollkommen in den Hintergrund treten. Es scheint, als ob die Stadt ein weiterer Hauptdarsteller ist, der weiß, wann er vornehm zurückhaltend einen Rahmen geben und wann er selber unterstützend in den Fokus rücken muss.

Kurzum: Angel-A schafft mit leichter Hand all das, woran man im Da Vinci Code so verzweifelt bastelt und letztlich doch scheitert. Ansehen!

Harte Schale, matschiger Kern - 16 Blocks

2006-04-21T18:29:00.000+02:00

Man nennt das wohl "aus der Not eine Tugend machen", was Bruce Willis in seinen letzten Filmen versucht hat. Und auch in 16 Blocks versucht er gar nicht erst den knackigen Superhelden zu spielen. Stattdessen ist er Jack Mosley, ein in die Jahre gekommener Detective aus Manhattan ohne Ambitionen aber dafür mit Hinkebein und ernstem Alkoholproblem.

Nach einer anstrengenden Nachtschicht bekommt er morgens um acht noch den Auftrag einen Häftling zum Gerichtsgebäude zu bringen, wo er als Zeuge in einem Prozeß aussagen soll. Das Gericht liegt genau 16 Blocks entfernt und eigentlich sind es auch noch zwei Stunden Zeit bis Eddie Bunker (gespielt von Mos Def, kennt man aus The Italian Job & Per Anhalter durch die Galaxis) aussagen muß. Der macht einen leicht gestörten aber harmlosen Eindruck. Als Jack jedoch zum Tanken anhält, er braucht noch zwei Flaschen Scotch für seinen Feierabend, versuchen zwei Killer seine Fracht umzulegen. Jack erschießt einen der beiden und flieht mit seinem Zeugen in eine nahe gelegene Kneipe, wo sie auf die Verstärkung warten. Diese ist jedoch keine große Hilfe, denn Jacks Kollegen wollen die Arbeit der Killer zuende führen. Diesmal muß Jack auf die eigenen Kollegen schießen und hat nun weniger als zwei Stunden Zeit für nicht mal 16 Blocks bis zu seinem Ziel und die gesamte Polizei von Manhattan gegen sich.

Und anstatt Manhattan auch mal in Schutt und Asche zu legen, setzt Regisseur Richard Donner (Erfinder der Lethal Weapon-Reihe) auf eine weitgehend reduzierte Actionhandlung. Anstatt mit dem Taxi durch den Central Park zu heizen, entwickelt sich unser Alki zum Meister der Schnitzeljagd, trickst seine Verfolger mit falschen Fährten aus, schlägt Haken und zeigt uns nebenbei die Hinterhöfe der Lower East Side. Wenn man als Filmemacher auf große Explosionen, schnelle Schnitte und wilde Verfolgungsjagden verzichtet, müssen folglich Charaktere oder wenigstens die Story stimmen. Da allerdings kränkelt der Film.
Bruce Willis ist nicht gerade gesegnet mit variantenreichen Gesichtsausdrücken. Zuletzt in Sin City hat er bereits aus der Not eine Tugend gemacht und da ist es gutgegangen. In 16 Blocks sind seine schauspielerischen Unzulänglichkeiten der Hauptgrund warum man sich in vielen Szenen unglaublich langweilt. Am zweiten Hauptdarsteller liegt es nicht. Mos Def spielt als liebenswerter aber leicht debiler Kleinkrimineller Willis an die Wand wie man so schön sagt.
Leider zieht sich durch den ganzen Film - sozusagen als roter Faden - auch noch die Diskussion, ob sich Menschen zum besseren verändern können. Wobei Eddie als Vertreter ebenjener These von seiner eigenen Konditorei träumt, während Jack ihn für einen notorischen Verbrecher hält. Das ist während des Films doof und wird leider bis zum zuckersüßen Happy End noch doofer.

Dann ist da noch der unvermeidliche Konflikt zwischen Jack und seinen Ex-Kollegen/-Freunden in Person des Frank Nugent - gespielt von David Morse (The Green Mile & The Rock) und überflüssig zu erwähnen, daß auch er eine bessere Figur als Willis macht.
Anfänglich hat man bei 16 Blocks den Eindruck da könnte was reifen, was eine respektvolle Verbeugung vor dem dritten Teil der Stirb langsam-Reihe sein könnte. Leider kann sich der Film nicht so recht entscheiden in welche Richtung er mit seinen Darstellern möchte. Insbesondere Bruce Willis ist es jedoch der dem Film jeglichen Schwung nimmt. Hätten sie mal lieber noch ein paar Autos in die Luft gejagt...

16 Blocks - Offizielle Webseite
16 Blocks bei imdb.com

Good Night, and Good Luck in Marlboro Country

2006-04-10T12:07:00.000+02:00

In den 50er Jahren macht Senator Joseph McCarthy Jagd auf Kommunisten in den USA. Dafür zitiert er vermeintlich Verdächtige vor seinen Untersuchungsausschuß, um sie antiamerikanischer Interessen zu überführen. Seine Kampagne führt in vielen Bereichen des amerikanischen Lebens zu einer diffamierenden Hatz auf Personen, die auch nur entfernt mit der roten Gefahr in Verbindung gebracht werden können. Der Fall eines Armeeangehörigen, der ohne handfeste Beweise oder ein reguläres Verfahren wegen einer vermeintlichen kommunistischen Vergangenheit aus der Army entlassen wird, ist für den CBS-Reporter Edward R. Murrow (David Strathairn) und seine Mitarbeiter der Start zu einer Aufklärungskampagne über Senator McCarthys fragwürdige Methoden und Interessen.
Nach Syriana kommt mit Good Night, and Good Luck die nächste filmische Aussage zum politischen Amerika dieser Tage, an der George Clooney maßgeblich beteiligt ist. Bei diesem Film ist er nicht nur wieder Nebendarsteller, diesmal als Murrows Produzent Fred Friendly, er ist auch noch Drehbuchautor und Regisseur. Und wie schon die Aussage von Syriana wenig schmeichelhaft war, geht auch dieser Film hart ins Gericht mit einer Regierungspolitik, die Widerspruch mit der Patriotismuskeule im Ansatz zu erschlagen versucht.

Noch entscheidender ist jedoch das Bild des Journalisten, das Clooney in diesem Film zeichnet. Er bedient sich dabei des realen Vorbilds Edward R. Murrow, der die journalistischen Tugenden Objektivität, Verstand und Unbestechlichkeit perfekt verkörpert. Tugenden, an denen es der US-Journalistenschaft insbesondere vor dem Irakkrieg mangelte. Übrigens eine Haltung, die George Clooney mit vielen in Hollywood und dem Alten Europa teilt.
Und so muß man diesen Film wohl als mutiges Statement betrachten. Wie erklärt man sonst die ausnahmslos überschwänglichen Kritiken der US-Rezensoren im vergangenen Jahr? Für bewegende Kinounterhaltung ist das Schauspiel zu dezent. Neben Clooney agieren durch die Bank nur große Namen wie Jeff Daniels, Robert Downey Jr. etc… , die sich jedoch allesamt angenehm zurücknehmen. Dazu die vielen Originalaufnahmen aus den 50ern und dazu passend der ganze Film in schwarzweiß. All das verleiht dem Film streckenweise dokumentarische Züge. Dafür stören dann die an wenigen Stellen etwas dick aufgetragenen Inszenierungen der Plädoyers von Edward Murrow.
Insgesamt gelingt es wunderbar die 50er Jahre in dieser kleinen TV-Welt auferstehen zu lassen. Clooney hat nicht nur an der Farbe gespart. Die Kulissen stellen fast ausschließlich die CBS-Studios dar. Sogar die Musik klingt angenehm passend schwarzweiß. Trotzdem stellt man sich bei Good Night, and Good Luck am Ende als Nichtamerikaner die Frage: Ja, und? Worin besteht die Sensation eines kritischen kettenrauchenden TV-Journalisten? Aber schließlich haben wir ja auch Sabine Christiansen…

Good Night, and Good Luck - Offizielle deutsche Website
Good Night, and Good Luck bei imdb.com

Länder in Europa - Nur eine Erfindung findiger Hollywood-Regisseure?

2006-03-27T23:36:00.000+02:00

Als ich gestern im Internet Infos zum neuen Horror-Schocker Hostel gesucht habe (Story: Gelockt von der Aussicht auf das schiere Vergnügen gelangen zwei junge US-Rucksacktouristen und ihr isländischer Freund in der Slowakei in ein Dorf, in dem die Einheimischen für reiche Ausländer Folteropfer organisieren, an denen diese sich nach Herzenslust austoben können), bin ich bei imdb.com auf folgenden Forumseintrag gestoßen:

"[Will I end up getting tortured if I visit slovakia?] And does this country really exist? Because I cant find it on the map... allthough my friends are convinced that it is a REAL country and not made up by Eli Roth (= der Regisseur), [so any info about "Slovakia" would be nice. thnx]"

Nachdem ich aus einer tiefen Bewusstlosigkeit aufgewacht bin, erinnerte mich das ganze ein wenig an Chajms Eintrag zu "Düsseldorf in Tim Burtons Charlie und die Schokoladenfabrik".

Ok, in vielen Filmen gibt es erfundende Staaten (insb. im südamerikanischen- oder afrikanischen Raum, wo es dann meistens gilt, tyrannische Despoten zu erledigen [die natürlich nur rein zufällig Ahnlichkeiten mit real existierenden Staatsoberhäuptern aufweisen] oder anderweitige Gefahren für die freie Welt abzuwehren), aber das der Durchschnittsamerikaner dann gleich alles über einen Kamm scheren muss, nur weil er mal ein Land im neuen (oder alten?) Europa nicht auf Anhieb findet...

Wahrscheinlich liegt es an den nicht gerade detaillierten amerikanischen Landkarten:

Und selbst die Nachrichtensender sind nicht besser. Sie kennen zwar viele Länder (auch jenseits der nationalen Landesgrenzen), jedoch scheint manchmal ein Zufallsgenerator die Namen auf der Karte zu verteilen:

In diesem Sinne: Herr, lass Diercke Weltatlanten vom Himmel fallen !!

Underworld Evolution

2006-03-25T21:30:00.000+01:00

Kurz und dennoch präzise zusammengefasst bietet Underworld Evolution, in dessen zweifelhaften Genuß ich in dieser Woche kam, folgendes:

Monster!

Frauen mit Wummen!!!!

Und für uns Mädchen: Liebe.....

Für alles weitere heißt es: erst Mal den Verstand und cineastische Ansprüche abschalten. Dann wirken nämlich Beschreibungen wie die der Sony Pictures GmbH gleich besser „Angesiedelt vor einer märchenhaften Gothic-Kulisse, gelingt es Len Wiseman, der bereits 2003 bei dem erfolgreichen Vorgänger Regie führte, den Vampir- und Werwolf-Mythos für das 21. Jahrhundert mit bombastischen Actionsequenzen als visuellen Rausch neu zu interpretieren.“.

Ach so! Gut, daß mir das vorher keiner gesagt hatte, denn sonst wäre ich wohl noch enttäuschter gewesen. In der hanebüchenen Geschichte, die in der vom Blaufilter gezeichneten Landschaft Osteuropas spielt, geht es um den ewigen Kampf von Lykanern (Werwölfen) und Vampiren. Beide Spezies attackieren sich in dieser Fortsetzung des Kinoerfolgs von 2003, jeder will die Weltherrschaft (oder so) und passend dazu fließt sehr viel Blut. Die ehemalige Todeshändlerin/Vampirette Selene (Kate Beckinsale), immer schön in enges schwarzes Leder gehüllt und pseudo-mysteriös guckend, will verhindern, daß das Böse an die Macht gerät. Natürlich lässt sich das Böse nicht einfach kampflos aufhalten und so muß sie einige Werwölfe und andere Derivate aus dem Weg räumen und wird selber massiv verfolgt und vertrimmt. Ihr zur Seite steht nur Michael (Scott Speedman), der eine Mischung aus Werwolf und Vampir ist und aus mir nicht bekannten Gründen selten seinen Oberkörper in Kleidung steckt.

Bis zum Ende dann: viel Geballer, keine Logik, noch mehr Geballer, Blut, Verrat, Geballer und am Ende gewinnt natürlich das Gute. Seufz, wie vorhersehbar. Es wäre müßig, auf die genaue Handlung und die Charaktere einzugehen. Lohnt sich auch nicht.
Man verstehe mich nicht falsch: ich habe nichts gegen Actionfilme. Sie dürfen gerne auch hirnlos sein, aber dann sollten sie meiner Meinung nach nicht versuchen, was anderes zu sein, als sie es tatsächlich sind. Mitten im Film passieren z.B. plötzlich und komplett unmotiviert Liebesszenen, die derartig kitschig und aufgesetzt daherkommen, daß man sich unweigerlich fragt, was der Scheiß denn nun bitte soll. Ist das die Mädchen-Ebene zwischen Blutsaugen und Köpfe-in-Hälften-teilen???

Im heimischen Kino wird Underworld Evolution in die Kategorie „Horror“ eingeordnet und mich beschlich schnell der Gedanke, ob man damit wohl die Machart des Films an sich meint. Die Effekte sind nach all den Special Effects Arien der letzen Jahre nichts Neues, die Geschichte alt und wer das für Horror hält, kann ich nur sagen, daß ich in Filmen von Francis Ford Coppola nicht nur deutlich mehr Blut habe fließen/spritzen/sickern sehen, sondern dies auch unzählige Klassen besser.

So – und nachdem ich nun Coppola und dieses Machwerk in einem Abschnitt genannt habe, wird es Zeit zu sagen: gucke diesen Film, wer will. Es gibt schlechtere. Nur leider auch deutlich bessere.

München

2006-02-24T14:04:00.000+01:00

„München” läuft nun schon seit einigen Wochen, deshalb ist diese Rezension möglicherweise etwas verspätet, aber der Vollständigkeit halber sei sie an dieser Stelle nachgereicht. Sie ist etwas technisch geraten, vielleicht die beste Herangehensweise an diesen Film.

Schon lange vor dem eigentlichen Erscheinen des Films gibt es eine heftige Diskussion um diesen nicht-gesehenen Film. Munich sorgte schon vor Erscheinen die Lager:

Menschen die ihn tatsächlich schon sahen, sagten gutes über den Film:

Last Wednesday in Manhattan, leaders of the Jewish community gathered for a private screening of a film to which they had been urgently invited by Dennis Ross, formerly assistant to the secretary of state in the Clinton administration and Middle East envoy. Ross is now with the Washington Institute for Near East Policy think tank. According to him, the much-hyped "Munich" directed by Steven Spielberg, which opens today (December 23) across America, is a good movie for the Jews and for Israel - Haaretz 22.12.2005

Obwohl in Haaretz 22.12.2005 auch Kritiker zu Wort kommen

Avi Dichter, the previous chief of the Shin Bet security service, who is currently at the Saban Center for Middle East Policy in Washington, and saw the film, says that the Mossad agents and some aspects of the intelligence work are portrayed inaccurately.

Im Januar ist der Film in Deutschland ebenfalls angelaufen und die Reaktionen hierzulande waren durchmischt, eine wirklich breite Diskussion gab es jedoch nicht - möglicherweise war man froh, dass nicht das Versagen der deutschen Behörden thematisiert worden ist. Ein Wikipedia-Artikel fasst kurz zusammen:

Um 4:10 Uhr am Morgen des 5. September 1972 kletterten fünf Mitglieder der palästinensischen Terrororganisation Schwarzer September über den Zaun bei Tor 25A und betraten das Olympische Dorf. Die mit Sturmgewehren bewaffneten Geiselnehmer hatten keine Mühe, die israelischen Sportler zu überwältigen und nahmen elf Geiseln: David Berger, Ze'ev Friedman, Joseph Gottfreund, Eliezer Halfin, Joseph Romano, Andrei Schpitzer, Amitsur Schapira, Kahat Schor, Mark Slavin, Jaakov Springer und Mosche Weinberg. Weinberg und Romano wurden gleich zu Beginn der Aktion verwundet, beide starben noch im Olympischen Dorf an ihren Verletzungen.
Die bayerische Polizei war den Ereignissen in keiner Hinsicht gewachsen, was durch die Live-Übertragungen der Medien in aller Welt sichtbar wurde. Daraus wurden später Lehren gezogen und die Anti-Terror-Einheit GSG9 gegründet.

Die deutschen Verantwortlichen, insbesondere Bundeskanzler Willy Brandt (SPD) und Innenminister Hans-Dietrich Genscher (FDP) wiesen zudem das Angebot der israelischen Regierung zurück, eine Spezialeinheit zu schicken. Offenbar war man der Ansicht, die Angelegenheit selbst regeln zu können. Wie die Ereignisse zeigen sollten, waren die deutschen Sicherheitskräfte dazu jedoch nicht in der Lage, weil sie für einen solchen Ernstfall überhaupt nicht ausgebildet worden waren.

Die Terroristen verlangten bis neun Uhr die Freilassung und das freie Geleit von 232 Palästinensern, die in israelischen Gefängnissen ihre Haft verbüßten, sowie die Freilassung der deutschen Terroristen Andreas Baader und Ulrike Meinhof. Die israelische Antwort folgte sofort und lautete: Es gibt keine Verhandlungen.

Der Bürgermeister des Olympischen Dorfes Walther Tröger, NOK-Präsident Willi Daume, Polizeipräsident Manfred Schreiber, der Sicherheitschef der XX. Olympischen Spiele und der bayerische Innenminister Bruno Merk boten sich den Terroristen als Ersatzgeiseln an; dies wurde jedoch nicht akzeptiert.

Eine Viertelstunde vor Ablauf des ersten Ultimatums wurde mit den Terroristen eine Verlängerung um drei Stunden ausgehandelt. Als dieses Ultimatum ablief, verhandelte der Krisenstab erneut mit dem Anführer der Terroristen, der sich Issa nannte. Mit Hilfe eines Abgesandten der Arabischen Liga und des Missionschefs der ägyptischen Delegation gelang es, das Ultimatum um weitere fünf Stunden bis 17 Uhr zu verlängern. Die Terroristen hatten unterdessen aus Radio und Fernsehen vom Aufmarsch der Polizei erfahren.

Sie verlangten nach Kairo ausgeflogen zu werden. Die deutschen Verhandlungspartner gaben vor zuzustimmen, und zwei Hubschrauber transportierten die Terroristen und ihre Geiseln zum nahegelegenen Flughafen von Fürstenfeldbruck, wo eine Boeing 727 auf sie wartete.

Die deutschen Behörden planten am Flughafen einen Angriff auf die Terroristen. Dort befanden sich jedoch nur fünf Scharfschützen, wohl weil von nur fünf Geiselnehmern ausgegangen wurde, tatsächlich waren es jedoch neun. Außerdem befanden sich dort keine Panzer, die wurden erst während der folgenden zweistündigen Schießerei als Verstärkung gerufen, wegen des starken Verkehrs dauerte es jedoch eine halbe Stunde bis diese eintrafen.

Zwei Terroristen kontrollierten die Eignung des Flugzeugs. Als sie sich auf dem Rückweg zum Hubschrauber befanden, eröffneten die Scharfschützen um 23 Uhr das Feuer. Die fünf Scharfschützen hatten keinen Funkkontakt zueinander und schossen ohne Koordination. Zwei Terroristen wurden sofort erschossen und ein dritter als er fliehen wollte. Drei weitere begannen verdeckt hinter den Hubschraubern, außerhalb des Sichtfelds der Scharfschützen, das Feuer zu erwidern, ein Polizist starb durch eine verirrte Kugel. Der Kampf zog sich sodann über 45 Minuten hin, bis eine Einheit gepanzerter Fahrzeuge vorfuhr.

Dadurch in Panik versetzt, eröffnete einer der Terroristen das Feuer auf die Geiseln des ersten Hubschraubers und gab damit zwei anderen die Gelegenheit, aus der Deckung aufzutauchen. Er sprang aus dem Flugzeug und hinterließ eine Handgranate auf seinem Platz. Alle drei Terroristen fielen durch die Schüsse der Scharfschützen. Die unmittelbar darauf folgende Explosion tötete die Geiseln im Hubschrauber. Die anderen fünf Geiseln im zweiten Hubschrauber wurden während des Kampfes getötet.

Die Untersuchung der bayerischen Polizei schloss nicht aus, dass einige der Geiseln versehentlich von der Polizei erschossen worden sein könnten. Genauso ist es möglich, dass einer der Terroristen alle Geiseln erschoss. Eine definitive Aufklärung des Falles konnte wegen der stark verbrannten Körper nicht durchgeführt werden.

Zum Film und seinem Inhalt

„Junge Olympioniken helfen einander” ist möglicherweise der erste Eindruck den man haben könnte, die Vorahnung, dass es sich bei den Gestalten denen da über den Zaun geholfen wird, möglicherweise um Terroristen handeln könnte, hat der Zuschauer natürlich. Amerikanische Sportler helfen den Terroristen ins olympische Dorf- das ist die erste Einstellung des Films. Die später folgende Entführung und Ermordung der israelischer Sportler durch Schwarzer September während der Olympischen Spiele wird mit tatsächlichen Nachrichtenbildern überblendet. Später werden Rückblenden das Geschehene detaillierter beschreiben. Vor allem im letzten Teil des Films mischen sich Sentenzen von der mißlungenen Geiselbefreiung mit Bettszenen des Protagonisten mit seiner Frau.

Der junge „Sky-Marshall” des Mossad, Avner Kaufman (Eric Bana), wird von Ministerpräsidentin Golda Meir (Lynn Cohen) dazu aufgefordert, Chef eines Teams zur Tötung der Palästinenser zu werden. Offenbar war er zuvor Leibwächter von Golda Meir. Er erhält eine Liste mit Namen der Gruppe „Schwarzer September” die er mit einem Team auffinden und töten sollte. Avner lässt seine schwangere Frau Daphna (Ayelet Zorer) in Israel zurück und geht zunächst nach Frankfurt. Allein auf sich und auf sein Team gestellt, ohne direkte Verbindung nach Israel und lediglich durch Schweizer Bankkonten finanziell abgesichert, soll er die Tötungen durchführen. Dazu stehen ihm vier Männer zur Verfügung, Steve (Daniel Craig), ein junger Jude aus dem Galut (Exil) der „seit 10 Minuten für den Mossad arbeitet”, der Spielzeug- und Bombenbauer Robert (Mathieu Kassovitz), der zurückhaltende Carl (Ciarán Hinds) und der deutsche Jude Hans (Hanns Zischler), ein als Antiquitätenhändler getarnter Mossad-Agent.

Über seine Frankfurter Jugendfreunde (Meret Becker, Moritz Bleibtreu), die der RAF nahe stehen, gelangen sie an ihre erste Zielperson. Dieser hat gerade in Italien ein Märchenbuch übersetzt. Diese erste Erschießung durch Avner und Steve gerät zur ersten harten Probe. Beide können zunächst ihre Waffen nicht ziehen und zögern eine ganze Weile. Nach der Erschießung wird gezeigt, wie sich am Boden Milch aus der Einkaufstasche des Opfers mit dessen Blut vermischt. Beide sind im Judentum ein Symbol für Leben. In einem späteren Gespräch wird ein bekannter jüdischer Midrasch zur Vernichtung der Ägypter im Schilfmeer anzitiert. In diesem geht es darum, dass die Engel über den Sieg über die Ägypter jubeln. Doch G-tt fragt sie, warum sie jubeln obwohl viele seiner Geschöpfe ihr Leben verloren haben.

Avner lernt Louis kennen, einen undurchsichtigen französischen Informanten (Mathieu Amalric), der den Handel mit Informationen und Waffen mit seinem Vater als Familiengeschäft betreibt. Treffpunkt ist meistens das Schaufenster eines Küchengeschäfts.
Es folgen einige weitere, sehr drastisch geschilderte Aktionen der Gruppe und allmählich kommen immer heftigere Zweifel auf, ob die Getöteten bzw. die zu Tötenden tatsächlich in das Attentat verwickelt waren. Auch die Rolle verschiedener Geheimdienste wird unklarer. Louis Vater, Papa, (Michael Lonsdale) lädt Avner zum Familienessen ein, scheint aber ein mysteriöses Spiel im Dschungel der Nachrichtendienste bar jeglicher Moral zu treiben und kennt keine Loyalitäten. Das Versagen mehrerer Sprengsätze wirft die Frage auf, ob dabei Sabotage im Spiel war und wer dafür verantwortlich ist. Robert, der Bombenbauer des Teams (Mathieu Kassovitz), muss angesichts der Vorwürfe seiner Kameraden zugeben, eigentlich Bombenentschärfer zu sein und noch nie zuvor Sprengsätze konstruiert zu haben. Beim Zünden eines Sprengsatzes im Bett einer Zielperson ereignet sich dann das glatte Gegenteil: diesmal zerstört Roberts Bombe tatsächlich fast das gesamte Stockwerk. Avner, der sich im Nachbarzimmer eingemietet hat, um die Anwesenheit der Zielperson zu überprüfen, kommt beinahe selbst ums Leben, ebenso ergeht es einem jungen, frisch verheirateten jüdisch-christlichem Paar.

Avners Frau samt Kind begeben sich auf seinen Wunsch nach Brooklyn, wo er sie sicherer wähnt. Die Tötungen gehen weiter,doch mittlerweile wird die Gruppe selber gejagt. Eines ihrer Attentate wird von Betrunkenen vereitelt, bei denen es sich um CIA-Agente handeln könnte.
Nachdem jedoch drei Mitglieder seines Teams getötet wurden - der Bombenbauer Robert stirbt bei einer unerklärlichen Explosion - zweifelt Avner, der mitterweile seine Nächte angsterfüllt im Schrank verbringt, immer mehr. Nachdem bei seinem letzten Einsatz - außer ihm ist nur noch der fanatische Steve am Leben - ein noch kindlicher Wachposten getötet wird, bricht er seine Tätigkeit ab und zieht nach New York. Er versucht, mit seiner Frau in ein normales Familienleben zu finden, jedoch beschleicht ihn immer mehr das Gefühl, selbst zum Ziel eines Mordauftrags geworden zu sein, und bei einem Spaziergang mit seinem Kind glaubt er, von einer dunklen Limousine verfolgt zu werden. Avner stürmt in die israelische Botschaft und droht mit Enthüllungen, falls seine Familie weiterhin bedroht werde. In einem Telefongespräch behauptet „Papa”, dass von er Avner nichts Böses antun würde.

Am Ufer des Hudson River trifft er mit Ephraim zusammen, der jegliche Zweifel an der Legitimität der Tötungen und die Terrorverbindungen der Zielpersonen zurückweist sowie blinden Gehorsam fordert. Allerdings gibt er zu, dass auch andere Teams mit Mordaufträgen ausgeschickt worden sind. Avners Bitte, einer jüdischen Sitte gemäß mit ihm und seiner Familie zu Abend zu essen, lehnt der Vorgesetzte brüsk ab und lässt Avner stehen. Es bleibt offen, ob Avner sich vom Mossad nicht beirren lässt oder aber auf ihre Forderung, den Dienst wieder aufzunehmen, eingeht.

Die Kamera macht eine Kranfahrt in die Höhe und das Panorama von New York mit den noch existierenden Türmen des World Trade Centers füllt die Breitwand. Man erfährt durch eingeblendeten Text, dass neun von elf Gesuchten getötet worden sind.

Kritik
Der Film nimmt keine eindeutige Position ein, das macht ihn für Schwarz-Weiß-Seher möglicherweise unzugänglich oder enttäuscht sie. Einige Kritiker verstörte wohl, dass der palästinensische Terrorist die Möglichkeit bekommt, seine Sache darzulegen. Seine Überzeugung wird jedoch von der Avners konterkariert und so erhalten beide Gruppen eine Stimme. Einige Kritiker sahen den Film gar als Antizionistisch, was er nun dann ist, wenn man ihn so sehen will. Die Darstellung der israelischen involvierten macht klar, dass es für die Juden aus aller Welt nur ein Land geben kann, in das sie gehen können um sich frei zu fühlen. Louis gibt ihnen eine Stimme wenn er sagt, dass es teuer sei, sich ein Heim zu errichten.
Spielberg zeigt Tötungen nicht einem Actionfilm üblichen herumgeballere, sondern tatsächlich als erschütternde Akte der Gewalt.

Telepolis fasst einige wichtige Punkte zusammen:

Die angeblich gnadenlose Reaktion Israels ist reine Fiktion. Als Filmszene gehört dies zu den starken Momenten: Mit Geheimdienst-Offizieren sitzt Golda Meir am Tisch und diskutiert Israels Reaktion auf das Münchener Attentat. "München" ist noch in einem weiteren Sinn eine Metapher: Es ist die Stadt Adolf Hitlers und die "Hauptstadt der Bewegung", und es ist der Ort der "Münchner Konferenz", der tiefsten Selbstdemütigung aller Demokratien auf dem Höhepunkt des Appeasement. Das ausgerechnet hier israelische Sportler ermordet wurden, nur weil sie Juden waren, hat eine bittere Logik. Nie wieder, das ist die Logik in Golda Meirs Argumentation, sollen Juden sich vom Terror demütigen lassen. Auf den Mord-Exzess von Fürstenfeldbruck soll Gegenwehr, nicht Appeasement die Folge sein.

Doch im Folgenden stellt Spielberg genau diese Erkenntnis infrage bis zur Denunziation. Er legt Meir einen Satz in den Mund, den sie mit ziemlicher Sicherheit nie aussprach, und vermutlich nicht akzeptiert hätte: "Every civilization finds it necessary to negotiate compromises with its own values." Dieser Satz ist vielleicht treffend auf George W. Bush gemünzt. Doch die Logik der israelischen Politik ist gerade die, die eigenen Werte zu verteidigen. Israel übt nicht Rache, sondern Vergeltung. Israelis nehmen keine Geiseln, sie töten nicht gezielt Unschuldige. Ohne "Kollateralschäden" zu verteidigen oder zu akzeptieren, auch ohne der israelischen Politik hier in jedem Fall Recht zu geben, ist das die fundamentale Differenz zwischen dem Terror der Palästinenser und der Vergeltung der Israelis: Israel zündet keine Splitterbomben in Schulbussen, sondern es tötet gezielt Auftraggeber und Hintermänner...
Gezeigt wird hingegen nicht, was in der Connollystraße wirklich geschah. Spielberg zeigt nicht, wie gnadenlos das PLO-Kommando agierte, dass es die Geiseln zum Teil folterte, dass die beiden Toten im Hotelzimmer vor den Augen ihrer lebenden Kameraden kastriert wurden. Er zeigt nicht, dass eine Geisel, der von Kugeln getroffene Gewichtheber Josef Romano auf dem Teppich verblutete, während die anderen zusehen mussten.
Tatsächlich gibt Spielberg den palästinensischen Opfern ein Gesicht. Alles dies sind auch Mörder oder Schreibtischtäter, daraus macht der Film kein Hehl, aber es sind auch Menschen. Spielberg allerdings zeigt sie nur als das. Er unterschlägt, was aus ihnen Unmenschen macht.

Die informierten Zuschauer können mit der Ambivalenz möglicherweise umgehen, die ideologischen natürlich nicht. Technisch ist der Film tadellos gemacht, einer der guten Spielberg-Filme - bis auf die letzte Überblendungsszene. Er macht jedoch den Fehler, die Menschen danach sich selber und ihrer Meinung zu überlassen. Das möchte heute niemand mehr. Die Botschaften müssen wohl eindeutig sein. Und nur damit man mich nicht falsch versteht oder einen falschen Eindruck des Films gewinnt: Der palästinensische Terror wird in seiner sinnlosen Gewalt dargestellt und keinesfalls verharmlost. Die Mittel zur Bekämpfung dessen werden diskutiert, aber nicht negiert.

Jüdischen Zuschauern ergeben sich übrigens einige zusätzliche Zugangsebenen durch Wort- und Bild-Meatphern.

Homepage und Trailer zum Film: Universal Pictures :: Munich

Schlüsselszenen

2006-02-13T12:04:00.000+01:00

Dailymotion blogged video
BigLebowskiextract2
Video sent by antoninlib

Die Seite Dailymotion macht es möglich, nun auch eine der wirklich guten Szenen aus The Big Lebowski online anzuschauen. In diesem Fall sogar mit französischem Untertitel.

Jarhead - Willkommen im Dreck

2006-01-15T23:06:00.000+01:00

"Born to Kill" hat Sgt. Joker in Full Metal Jacket auf seinen Helm geschrieben. Dazu trägt er ein Friedenszeichen auf der Weste. Von einem Offizier darauf angesprochen, antwortet er, "Es soll etwas über die Dualität des Menschen aussagen... die Sache mit Jung...". Sgt. Joker ist sich der Absurdität seines Soldatendaseins bewußt. Am Ende von Full Metal Jacket gewinnt der Spruch auf Sgt. Jokers Helm.
In Jarhead - Willkommen im Dreck bewahrheitet sich der Spruch nicht. Die Soldaten verlieren trotzdem. Der Regisseur Sam Mendes (American Beauty, Road to Perdition) schafft mit Jarhead einen würdigen Nachfolger der Frontberichte aus Vietnam und bringt eine entwaffnende Analyse des Soldaten im Jahrzehnt der Irakkriege. Und das ohne einen einzigen Schuß abzugeben.

Anthony Swofford (Jake Gyllenhaal, Donnie Darko, The Day after Tomorrow) meldet sich 1989 mit 18 Jahren zum Dienst im US Marine Corps. Sein Vater und sein Onkel waren in Vietnam und nun fühlt er sich ihnen verpflichtet. Tatsächlich würde er wohl lieber Moderne Literatur auf dem College studieren. Die Grundausbildung ist eine fast exakte Kopie aus Full Metal Jacket und am Ende verläßt er sie als Scharfschütze unter dem Kommando des toughen Staff Sgt. Sykes (Jamie Foxx, Ray, Collateral). Die meisten seiner Kameraden sind eher einfache Gemüter, zum Teil vorbestraft. Sein Kamerad Troy (Peter Sarsgaard, Flight Plan, Garden State) ist der heimliche Anführer und ruhende Pol seines Zuges und als 1991 die Meldung von der irakischen Invasion in Kuwait im TV läuft, ist er der erste, der die Möglichkeit wittert, endlich das erlernte am lebenden Objekt auszuprobieren. Denn darum geht es ihnen als Scharfschützengespann, das Töten, der eine Schuß. Wenig später fliegen sie in den Irak, wo sie mitten in der Wüste ihr Lager aufschlagen. Schnell macht sich eine alles betäubende Lethargie breit. Der Tagesablauf liest sich wie folgt: Masturbation, Briefe von zuhause lesen, Masturbation, Wasser trinken, Briefe von zuhause auf Hinweise, ob die Freundin einen schon betrogen hat, lesen, Masturbation, Wasser trinken, Masturbation... Die Langeweile ist der einzige Feind und die von den Offizieren angeheizte Aggression ist kaum zu unterdrücken. Vom Krieg sehen sie nur die Trümmer und der einzig nennenswerte Angriff kommt durch sogenanntes "friendly fire" zustande.

Es ist ein furchtbar deprimierendes Bild, das hier von den Streitkräften gezeichnet wird. In der einen oder anderen Rezension zum Film konnte man den Vorwurf lesen, der Film beziehe keinen klaren Standpunkt. Ganz im Gegenteil, in Apocalypse Now oder Platoon mußten die Soldaten noch töten, um zu beweisen, daß Krieg nur das Schlechteste im Menschen hervorbringt. Jarhead schafft das ohne seine Soldaten in echte Kriegshandlungen zu schicken. Die extatischsten Szenen mit den jungen Soldaten sind zugleich die deprimierendsten. Wenn sie z.B. noch in der Heimatkaserne die Hubschrauberszene aus Apocalypse Now schauen und völlig aufgekratzt Wagners Walkürenritt mitgrölen. Oder wenn sie nach Ende des Krieges ums Feuer tanzen und sinnlos in den Nachthimmel ballern. Genau dann zeigt die Hirnwäsche während der Ausbildung zur Kampfmaschine ihre häßlichste Seite bei den jungen Soldaten. Ihnen wird eingeredet, sie seien unbesiegbare Kampfmaschinen, müßten töten. Dies verinnerlichen sie nahezu unreflektiert. Es wird für sie zum einzigen Ziel, ganz egal wer oder was da als Feind auf sie wartet. Mit jedem weiteren Tag in der Wüste mit der ständig geschürten Aggression gegen die "Kamelficker", der sexuellen Frustration und der Ungewissheit, was einen erwartet, wächst die Verrohung. Die einen schießen auf die Kamele der Beduinen, die anderen vergreifen sich an den Leichen, die die Bomber der Air Force zurücklassen.
Als der Krieg dann endlich auch für sie ausbricht, wird ihnen schnell bewußt, daß ihr Job in Zeiten "moderner" Kriegsführung mit lasergesteuerten Bomben überflüssig geworden ist. Was bleibt, ist die Frustration darüber, daß der Krieg zuende ging ohne einen einzigen Schuß abgegeben zu haben, geschweige denn "jemanden" gekillt zu haben.

Für mich steht Jarhead ebenbürtig in der Tradition der Antikriegsklassiker wie Full Metal Jacket, Apocalypse Now & Platoon. Nicht nur, daß er sie großzügig zitiert, der Film schafft es die testosteron geschwängerte Faszination, die von der Kriegsmaschinerie ausgeht (siehe Walkürenritt und Napalminferno), für wirkungsvolle Bilder auszunutzen ohne sich dem Verdacht des patriotisch verschwurbelten Pathos auszusetzen (siehe Black Hawk Down).
Ein bedrückender aber empfehlenswerter Einstieg in das neue Kinojahr.

Jarhead - Offizielle Website
Jarhead bei imdb.com

Besser spät als nie

2006-01-09T15:28:00.000+01:00

Ich bin ein großer Freund des öffentlich rechtlichen Fernsehens. Insbesondere den Informations- und Kulturauftrag halte ich für eine gute Idee. Allerdings festigt sich bei mir immer mehr der Eindruck, daß gerade die beiden Marktführer eben jenen Begriff viel zu sehr für sich entdeckt haben. Dabei sind die öffentlich rechtlichen Sender im Besitz vieler kleinen Filmschätze, die sie zielstrebig im späten Nachtprogramm verstecken oder sie gleich an die Dritten verschenken, wo sie sich im späten Abendprogramm einer ähnlichen Aufmerksamkeit gewiß sein können.
Das Erste hat dazu sein Film Festival. Sonntags nach Tagesthemen und Kulturreport werden immer mal wieder lohnenswerte Filme versteckt, die durchaus Potential für die Primetime hätten. Aus diesem Grund will ich auf Sonntag, den 15.1.2006 hinweisen, wenn die ARD um 23:30 Cidade de Deus (City of God) ausstrahlt.

Cidade de Deus, so heißt eine in den 60er Jahren errichtete Armensiedlung, die im Laufe der Jahre zu einer von Rio de Janeiros größten Favelas, den brasilianischen Ghettos, heranwuchs. Der Film erzählt ihre Geschichte aus Sicht eines Einwohners von den 60er bis in die 80er Jahre. Buscapé ist nicht abgebrüht genug, um das Leben eines Gangsters zu führen, wie es die meisten seiner Freunde tun. Er träumt von einer Karriere als Fotograf. Er kommt zufällig an eine Kamera und dokumentiert, anfänglich auf eigene Faust, später im Auftrag der Zeitung, das Leben in den Favelas zwischen Armut, Drogen und blutigen Bandenkriegen.
Der Film war 2004 (?) für einen Oscar als bester ausländischer Film nominiert und das völlig zu Recht. Am auffälligsten ist die Authentizität der Bilder. Die in vielen Einstellungen verwackelten Bilder der Handkameras sorgen für einen Dokustil, der dem Gezeigten hohe Glaubwürdigkeit verleiht. In teilweise drastischen Szenen bestimmt die Gewalt die Ereignisse. Zudem haben die Regisseure angeblich überwiegend einheimische Laienschauspieler eingesetzt. Wer die Tiefseetaucher gesehen hat, wird den David-Bowie-Songs auf Portugiesisch covernden Seu Jorge wiedererkennen.
Außerdem kann man den ganzen Film über rätseln, wem die Stimme des Erzählers gehört...

City of God (2002) im Ersten am So., 15.1.2006 um 23:30
City of God bei imdb.com

Alarm für Cottonmouth 11

2006-01-08T14:02:00.000+01:00

Habe gestern - teilweise - Ballistic mit O-Ren Ishii und Zorro gesehen und muß sagen: Man hat Alarm für Cobra 11 und RTLs hauseigenem Action-Director Hermann Joha viel Unrecht getan.

Spielfilme an den Festtagen

2005-12-19T14:21:00.000+01:00

"Zwischen den Jahren", wie es so schön heißt, laufen traditionell viele Spielfilme. Daß die Filmauswahl der Sender dabei weniger dem festlichen Besinnlichkeitsanspruch gerecht wird, sondern eher einem Geschenkekauf am letzten Samstag vor Heiligabend gleicht - laut, hektisch und gewalttätig - hat auch schon Tradition. Trotzdem ist dieses Jahr die eine oder andere Perle im Angebot:

25.12.	22:15	Fargo	Tele5
Ein Coen-Film! ... Der Coen-Film!
	22:25	Sleepy Hollow	Pro7
Brothers Grimm nur in "gut"
26.12.	23:45	Arlington Road	ZDF
Terrorismus und Paranoia spannend inszeniert und stets aktuell
27.12.	20:15	Der Clou	Vierte
Ein absoluter Klassiker. War damals schon cooler als Ocean's Eleven heute
28.12.	20:15	Und täglich grüßt das Murmeltier	Sat.1
Warum das aktuelle Bill Murray-Revival absolut gerechtfertigt ist
29.12.	19:25	Men In Black	ZDF
Nur so machen Alienfilme Sinn
	23:00	Twelve Monkeys	ZDF
Ein Ausblick auf die Vogelgrippe
05.01.	20:15	Die Royal Tenenbaums	Pro7
Wer "die Tiefseetaucher" mochte, wird diesen Film lieben
06.01.	20:15	Reality Bites	Vierte
Alles kommt wieder. Warum nicht auch die 90er?
	22:25	American History X	Pro7
"Bite the curb" - eine der fiesesten Szenen der Kinogeschichte

Und wer sich unbedingt ärgern will, kann es hiermit versuchen:

25.12.	20:15	Pearl Harbor	RTL
Siehe Bastians Empfehlung
28.12.	22:15	Lara Croft: Tomb Raider	ZDF
Ein echter Frauenfilm
29.12.	19:25	Lara Croft: Tomb Raider 2	ZDF
Siehe oben
01.01.	20:15	Hulk	RTL
Dafür wird sich Ang Lee auf ewig rechtfertigen müssen
03.01.	22:10	Die Regeln des Spiels	Pro7
Und dafür Bret Easton Ellis und Tarantino-Intimus Roger Avary

RTL leistet moralische Aufbauarbeit: Pearl Harbor im TV

2005-12-19T10:29:00.000+01:00

Achtung: Die nachfolgende Rezension enthält "explicit language" und ist daher nicht für Kinder unter 6 Jahren geeignet !!!

Die Umfragewerte des US-Präsidenten George "Double U" Bush im Keller und instabile Lage auf den Kriegsschauplätzen rund um den Globus.
Was kann man tun, um der gegeisselten amerikanischen Patriotenseele Linderung zu verschaffen?
Actionsender RTL weiß Rat und hievt einen "Dokumentarfilm" über eine glorreiche Schlacht zur besten Sendezeit an Weihnachten ins Programm: Pearl Harbor (So. 25.12.05, 20.15 Uhr).
"Moment mal !" wird der eine oder andere nun denken. "Glorreiche Schlacht und Pearl Harbor? Was soll an einer Schlacht glorreich sein bei der die Amerikaner eiskalt überrascht wurden und auf einen Schlag 2476 Männer sowie einen großen Teil der Seeschiffe verloren?" Gute Frage ! Warscheinlich würde jeder normal Sterbliche so denken. Nur Hauruck-Regisseur Michael Bay (Bad Boys I & II, The Rock, The Island) nicht. Bay schafft es, eines der dunkelsten Kapitel der amerikanischen Kriegsgeschichte in einer patriotistischen Art und Weise darzustellen, das einem beim zusehen die Kotze hochkommt.

Die Geschichte des Films verkommt dabei zur Nebensache:
Gemeinsam melden sich die beiden Freunde Rafe McCawley (Ben Affleck) und Danny Walker (Josh Hartnett) beim US Army Corps. Bei der Musterung in New York treffen sie auf Krankenschwester Evelyn (Kate Beckinsale), in die sich Rafe verliebt. Das Glück ist allerdings nur von kurzer Dauer, denn Rafe wird nach England geschickt und bei einem Flugzeugmanöver abgeschossen. Während der einsamen Monate kommen die nach Pearl Harbor versetzte Krankenschwester Evelyn und Pilot Danny sich näher und verlieben sich schließlich ineinander. Gerade als das Glück von beiden perfekt scheint, bricht jedoch der legendäre Angriff der Japaner auf den Hafen von Pearl Harbor los...

Die schmierige Lovestory ist sowas von vorhersehbar konstruiert:
Natürlich taucht Rafe erstmal wieder auf, was zu Problemen führt. Evelyn führt sich nämlich auf wie die Kompanienutte und ist ganz hin und hergerissen. Gut das einer von beiden Männern das Ende des Film aus einer Holzkiste verfolgt, so dass die Entscheidung für den einen oder anderen nicht ganz so schwer fällt...

Beim Angriff auf Pearl Harbor zeigt Bay sein ganzes Können. Die Actionszenen sind ohne Zweifel großartig inszeniert. Die Härte ist jedoch, dass Bay hierbei nicht mit patriotistischen Anspielungen geizt. So treibt eine zerfledderte Amerikaflagge durch das mit Leichen übersäte Wasser und Cuba Gooding Junior darf als (schwarzer) Schiffskoch zeigen, dass in der Stunde des Krieges die Hautfarbe Nebensache ist, solange es nur darum geht Amerika gegen angreifende Feinde zu verteidigen.
Der absolute Oberhammer ist jedoch folgendes Zitat: A: "Gut geflogen". B: "Gut geschossen." A: "Für Amerika!" B: "Für die Freiheit".

Und wer glaubt danach sei Schluss, der täuscht sich gewaltig. Die beiden heldenhaften Piloten Rafe und Danny werden für eine ebenso heldenhafte Sondereinheit ausgebildet, um Vergeltungsschläge gegen Japan zu fliegen bzw. Bomben über japanischen Städten abzuwerfen. Vor dem ersten Einsatz darf natürlich die obligatorische Rede über Sinn und Zweck der Mission nicht fehlen. Diese mehrminütige Rede ist sowas von pathetisch und wurde (um den Umsatz des Films nicht zu gefährden) für die japanische Fassung entfernt.
Natürlich wird aber auch dieses Flugzeug abgeschossen, den kampfgestählten Piloten Danny und Rafe gelingt es jedoch nur mit einer Pistole bewaffnet eine ganze Kompanie Japaner niederzumähen. Jedoch stirbt hier einer der beiden Protagonisten den Heldentod um seinen Freund zu retten, den was zählt ist die Mission.
In diesem Sinne:

God bless America !

Was ist in dem Koffer?

2005-12-19T00:50:00.000+01:00

Ein Film der entweder geliebt oder gehasst wird ist wohl "Pulp Fiction" von Quentin Tarantino. Für Bewunderer ist er ein Zitatequell, wenngleich nicht so umfangreich wie "The Big Lebowski" ("Cheeseburger! Der Grundstein eines jeden nahrhaften Frühstücks!"). Wer sich ebenso fragt, was in dem Koffer war (dazu gibt es viele Theorien; dazu später drei Worte) wird sich darüber freuen, dass die ZEIT diesen Film in den Kreis der "50 Filmklassiker" aufgenommen hat. Die begleitende Besprechung von Thomas Assheuer gibt es auf zeit.de:

Wenn es je eine Postmoderne im Kino gab und wenn Jean-Jacques Beineix’ Diva sie 1981 eingeläutet haben sollte, dann hat Pulp Fiction sie auf einen Schlag beendet: Nach diesem Film konnte niemand mehr sagen, in der Kunst gebe es keine Wahrheit und alles Reale verschwinde im Nebel »flottierender Zeichen«. Quentin Tarantino hat das Universum des anything goes zum Einsturz gebracht und das Reale ins Kino zurückgeschleudert. Die eigentliche Sensation von Pulp Fiction besteht jedoch darin, dass er den Anschlag auf das postmoderne Weltbild tief im gegnerischen Gelände vollbringt, nämlich auf dem Höhenkamm demonstrativer Künstlichkeit und extremer Stilisierung. In dem 1994 gedrehten, von Pop-Zitaten durchwirkten Meisterwerk herrscht planmäßig der Zufall, drei Geschichten sind heimtückisch ineinander verflochten (»Three stories about one story«), und wie in einer Endlosschleife scheint ein Erzählstrang in den eigenen Anfang zu münden. Was sich in diesem Rondo aber immer wieder Bahn bricht und wovon die one story handelt, das ist das blutig Reale einer kaltblütig exekutierten Gewalt.

Wen es nicht interessiert, was in dem Koffer war und dem Film auch nichts abgewinnen kann, wird wohl so reagieren, wie der Zeit.de-Leser, der als Kommentar schrieb:

Thomas Assheuers bisherige Artikel hatten oft bedeutend mehr Tiefgang. In diesem kann ich bloß eine übertriebene Lobpreisung amerikanischen Trashs sehen.

Der Film selbst antwortet darauf:

"Wenn ich mich jetzt entschuldigen darf, ich fahre nach Hause und krieg 'nen Herzinfarkt."

Der Film ist mit Zitaten und Anspielungen vollgepackt (ähnlich wie Tarantinos spätere Filme "Kill Bill"), was Tarrantino wahrhaftig Post-Postmodernes Kino machen lässt. Beispiele? OK: Die Szene mit Butch an der Ampel und Wallace, der die Straße überquert, ist eine Anspielung auf "Psycho", wo Janet Leigh in diese Situation kommt. Oder: Mr. Wolf tauchte erstmals in Luc Bessons Film Nikita auf, gespielt von Jean Reno, in "Codename: Nina" wird er bereits von Harvey Keitel gespielt.

Was ist in dem Koffer?
Dazu gibt es zahlreiche Theorien:

Einleuchtend wäre, dass der Inhalt des Koffers aus den Diamanten besteht, die in Tarantinos Film "Reservoir Dog" gestohlen wurden. "Pulp Fiction" ist voller Anspielungen auf diesen vorhergehenden Film (Die unschuldige Fußgängerin, die von Wallace angeschossen wird, wird von Mr. Pink in "Reservoir Dogs" aus dem Auto gezogen; dort spricht Nice Guy Eddie von einer Krankenschwester namens Bonnie; Der Kellner aus dem 50er-Jahre-Restaurant, Buddy Holly, wird gespielt von Steve Buscemi, der sich als Mr. Pink in Reservoir Dogs weigert, einer Kellnerin Trinkgeld zu geben; Big Kahuna Burger tauchen zuerst in "True Romance" auf, auch in "From Dusk Till Dawn" schwören Seth und Richie Gecko auf diese).
Big Kahuna Burger! Die bereits angesprochenen Burger könnten in dem Koffer sein.
Marsellus Wallace hat dem Teufel seine Seele verkauft. Dieser hat sie am Nacken entnommen, weshalb Wallace dort ein Pflaster trägt. Durch einen Deal hat aber Wallace seine Seele zurückgekauft. Da der Koffer vom Teufel kommt, ist die Kombination 666. Vincent und Jules sollen die Seele zu ihrem rechtmäßigen Besitzer zurückbringen, deshalb hält Gott die Kugeln auf, die die beiden eigentlich treffen sollten.

Jedoch bleiben alle Theorien bloße Spekulation...

Mars Attacks und der Krieg der Sterne

2005-12-17T14:04:00.000+01:00

Neulich fiel mir bei dem Film "Mars Attacks" etwas auf. Der Retter der Welt, gespielt von Lukas Haas, bekommt am Ende eine Medaille von der Präsidenten-Tochter (Natalie Portman) verliehen. Natalie Portman spielt in den neuen "Star Wars" Filmen die künftige Mutter von Luke Skywalker und Prinzessin Leia (die mit der Knödel-Frisur). Am Ende von "Krieg der Sterne", Episode IV, verleiht eben jene Prinzessin Leia Luke Skywalker und Han Solo (Harrison Ford) eine Medaille.
Komischer Zufall, was?
Harrison Ford und Lukas Haas standen schon in "Der einzige Zeuge" gemeinsam vor der Kamera...
Denkt mal drüber nach...

Miami Vice

2005-12-14T15:36:00.000+01:00

Im Sommer nächsten Jahres kommt die Kinoversion der erfolgreichen Actionkrimiblockbusterfernsehserie ins Kino. Kein geringerer als Michael Mann (Heat, Collateral) selbst ist für die Umsetzung seiner TV-Schöpfung verantwortlich.
Man darf durchaus gespannt sein ob Colin Farrell (Alexander, Nicht Auflegen) und Jamie Foxx (Collateral) würdige Nachfolger von Don "Nash Bridges" Johnson (der Mann der den "unbesockten Slipper" sowie den hochgekrämpelten Sackoärmel salon- bzw. gesellschaftsfähig gemacht hat) und Philip Michael Thomas abgeben werden.
Auf jeden Fall wirkt schon jetzt alles auf Hochglanz poliert, ganz ohne den (teilweise kruden) Charme der 80er. Ob sich das postiv oder negativ auswirken wird, bleibt abzuwarten.

Die (spärliche) offizielle Website findet man hier.

P.S. Die Filmmusik stammt diesmal von RZA, dem Wu-Tang-Clan Mastermind (schrieb u.a. schon den "Score" ,oder neudeutsch: "die Musikuntermalung", für Filme wie "Kill Bill Vol.1" und "Ghost Dog").
Ob wir auch eine Neufassung von "Crockett´s Theme" zu hören bekommen, der legendären Synthiepopnummer von Jan Hammer?

Wenn nicht, dann bitte wenigstens Flamingos im Vorspann...

Goldene Zeiten

2005-12-01T18:53:00.000+01:00

Am 26.01.06 ist es endlich soweit. Der neue Peter Thorwarth Film "Goldene Zeiten" findet endlich seinen Weg in die deutschen Lichtspielhäuser, nachdem sich der Release verzögert hat (Ursprünchlich war September ´05 als Starttermin anvisiert).

Zum Inhalt:
Der Erfolgsmensch definiert sich vor allem dadurch, dass er sich den Anschein gibt, Erfolg zu haben. So erschleicht sich "Eventmanager-Assistent" Ingo (Wotan Wilke Möhring) unter Vorspiegelung falscher Tatsachen den Auftrag, einen großen Charity-Event für den Golfclub einer Kleinstadt im Ruhrpott zu organisieren. Hollywoodstar Douglas Burnett (Dirk Benedict, ja der vom "A-Team") hat zwar auch schon bessere Tage gesehen, doch so geht es vielen. Auf jeden Fall kann er mit seinen 80er-Jahre-Sprüchen immer noch Eindruck schinden. Burnett fegt wie ein Orkan über die ehemals beschauliche Ruhrpott-Kleinstadt und alle lassen sich bereitwillig zu Orgien und Exzessen mitreißen. Es dauert nicht lange, da stürzt die Fassade in sich zusammen und die Nerven aller Beteiligten liegen blank... Ingos Freundin Bianca vögelt derweil auf Ibiza mit dessen Chef (Uwe Fellensiek). Melanie (Alexandra Neldel) konnte weder durch ein Verhältnis mit ihrem Produzenten noch durch Fotos im Playboy ihre Gesangs-karriere anschieben und kehrt geschlagen nach Unna zurück. Kampmann Jr. (Christian Kahrmann) versucht seine Autotuning-Firma vor dem Ruin zu retten, nachdem ein von ihm überarbeiteter Porsche mit dem Zuhälter Bullet Harry (Ralf Richter) hinterm Steuer die Bodenhaftung verloren hat. Und dann gibt es da zwei ukrainische Bodyguards mit denen keiner gerechnet hat...
Die Katastrophe ist nicht mehr aufzuhalten!

Man darf gespannt sein ob es Peter Thorwarth erneut gelingt eine deutsche Filmperle zu erschaffen. Die beiden Vorgänger (Bang Boom Bang & Was nicht passt wird passend gemacht) gehören zweifelsfrei zu den beseten deutschen Komödien der letzten Jahre.
Und das Milieu des "Jet-Sets" bietet nach dem Kleinganoven- und Malochertum genug Angriffsfläche für eine ironische Auseinandersetzung.
Im Vorfeld heisst es, Thorwarths neues Werk sei "düsterer, reifer und komplexer als die Werke zuvor".
Also, das Warten kann beginnen.

Die (bislang vorläufige) Website zum Film findet man hier.

Primat im Jurassic Park

2005-11-30T17:23:00.000+01:00

Hat schon einer den Trailer zu "King Kong" gesehen? Ich weiß ja, daß man Filme nicht anhand ihrer Trailer bewerten soll. Aber was ich da kürzlich vor "Harry Potter" sehen mußte, macht mir Angst. Meine Angst besteht darin, daß Peter Jackson es versäumt hat diesem King Kong die nötigen Gänsefüßchen zu verpassen. Oder um es anders auszudrücken - sollte dieser Film tatsächlich ohne Ironie auskommen, werden das entsetzlich lange drei Stunden.

Glaubt man dem Trailer, klaut Jackson aus so ziemlich jedem erfolgreichen Fantasy-Action-Spektakel. Das geht los bei allen drei "Jurassic Parks", "Godzilla" über "Indiana Jones" bis hin zu "Titanic". Das wäre ja gar nicht so schlimm aber immer diese Affe mittendrin...
Ich kann nur hoffen, daß das Vieh irgendwann anfängt zu sprechen und so Sachen sagt wie "Ende!" oder "Pause!" oder auch "Stromberg!".

King Kongs offizielle Website

Bekackte Nihilisten

2005-11-29T17:32:00.000+01:00

Der komischste Film aller Zeiten läuft am Donnerstag den 8.12.2005 um 20:15 auf Tele5. "The Big Lebowski" mit Jeff Bridges, John Goodman, Steve Buscemi und Julianne Moore ist wahrscheinlich der beste aller Coen-Filme - mit Sicherheit aber der komischste.
Die Filmblogger haben lange diskutiert wie man dieses Meisterwerk beschreiben, loben oder rezensieren soll. Uns ist nichts befriedigendes eingefallen. Chajm hat vorgeschlagen ausschließlich Zitate des Meisterwerks für sich sprechen zu lassen. Denn seien wir ehrlich: nach der Bibel und Shakespeares gesammelten Werken kommt direkt der "Dude" (... denn so sollen wir ihn nennen. Entweder so oder Duda oder Eure Dudeheit oder El Duderino) als einflußreichste Quelle für Alltagszitate.
Es ist uns eine Herzensangelegenheit all denjenigen diesen Film ans Herz zu legen, die ihn aus unerfindlichen Gründen noch nicht gesehen haben.

"Schreib' ne Null auf!" -
"Du begibst Dich in die Welt des Schmerzes... die Welt des Schmerzes."

Der Dude bei Tele5
Der Dude bei imdb.com

Begrab mein Hirn in Elizabethtown

2005-11-10T14:25:00.000+01:00

Am Anfang des neuen Films von Cameron Crowe (Almost Famous, Vanilla Sky) steht das Ende einer jungen Karriere. Drew (Orlando Bloom) arbeitet als Designer bei einer Turnschuhfirma und sein jüngster Entwurf beschert der Firma einen Verlust von fast einer Milliarde Dollar. Er wird gefeuert und so kommt, was erwartungsgemäß in Popcornkino-Filmen kommen muss: Trennung von der Model-Freundin und ein wenig männlich wirkender Selbstmordversuch. Dieser scheitert unter anderem daran, dass Drew von seiner Schwester über den Tod seines Vaters informiert wird. Dieser starb ausgerechnet bei einem Familienbesuch in Elizabethtown, Kentucky, einem kleinen Ort im Mittleren Westen. Drew fliegt daraufhin in seine Heimatstadt, um den Vater einäschern zu lassen und zurück zu seiner Mutter nach Oregon zu bringen. Vorhersehbarerweise läuft dies nicht so glatt, wie es sich Drew vorstellt. Ihm stellen sich die kitschig-herzliche Klischee-Familie und die Stewardess Claire (Kirsten Dunst) in den Weg.

Der Film plätschert vom Beginn seiner Reise an den Punkt, den man schon 100 Kilometer vorher sehen kann. Die teilweise zerstrittene Familie besinnt sich auf den unerschütterlichen Wert einer intakten Gemeinschaft, Drew verliebt sich in Claire, Claire in Drew und überhaupt ist das Leben gar nicht so schwer, wie es am Anfang noch schien. So gewinnt der Film in letzten Drittel deutlich an Fahrt und Atmosphäre und steuert musikalisch großartig unterlegt auf ein Happy End zu, dass wie die Handlung vorhersehbar, aber trotzdem schön, ist.

Elizabethtown ist wohl einer der Filme, von denen man nicht mehr erwarten darf, als sie von vorneherein versprechen. Man fragt sich während der ersten 30 von insgesamt 123 Minuten zwar, ob es das Hauptanliegen des Films sei, Orlando Bloom aus allen möglichen Winkeln betrachtet gut aussehen zu lassen, aber mit Hilfe einiger Klischees in Sachen amerikanischer Großfamilie und Liebe, die zwar offensichtlich, aber nicht schmerzhaft, sind, schafft es der Film doch noch, gute Bilder und ein puscheliges Gefühl zu transportieren. Alles, was erzählt wird, wurde schon unzählige Male vorher so oder anders erzählt, aber es ist vor allem dem Humor, einer großartigen Kirsten Dunst, dem phantastischen Soundtrack und den Bildern, in denen man sich getrost 2 Stunden lang verlieren kann, zu verdanken, dass Eilzabethtown niemandem wehtut und man nicht das Gefühl hat, 7 Euro in die Tonne gejagt zu haben.

Subtile Kritik in "Dogville"

2005-11-08T15:22:00.000+01:00

Auf Arte lief gestern "Dogville" von Lars von Trier, der zur Zeit mit seinem neuen Film "Manderlay" durch die Feuilletons miesepetert.
Beide Filme sind Teil einer Trilogie, die sich inhaltlich äußerst kritisch mit den USA auseinandersetzt. Schon zum ersten Film "Dogville" (2003) gab es kontroverse Meinungen. Damals habe ich mich anläßlich der erschreckenden Berichte geziert ins Kino zu gehen. Aber gestern habe ich mir die vollen drei Stunden angetan, nur um mir im Abspann per Holzhammermethode die Intention erklären zu lassen. Dann nämlich werden dutzende Fotos gezeigt, die Schnappschüsse vom alltäglichen Abgrund Amerikas zeigen. Da ist dann alles dabei: vom Sklavereimotiv über bewaffnete Hillbillies, die ihren Kindern das Schießen beibringen bis zur brennenden Öltonne und dem den Hausrat im Einkaufswagen schiebenden Penner.
Ja, dann lieber ein Michael-Moore-Film. Da lernt man wenigstens noch was dazu.
Zugegeben die Schauspieler sind dann nicht so exquisit wie in "Dogville".

Beastie Boys go Sundance

2005-11-08T08:26:00.000+01:00

Die Hip-Hop Urgesteine Beastie Boys planen mit einem Konzertfilm am nächsten Sundance Film Festival, dem wichtigsten Independent Film Festival, teilzunehmen.
Entstanden ist das Werk mit dem Titel "Awesome: I Fucking Shot That" während des Auftritts der Beasties am 09.Oktober im Madison Square Garden. Die Band drückte 50 Fans eine Hi8-Kamera in die Hand, um die Action vor und auf der Bühne zu filmen. Unter künstlerischer Leitung von MCA (Adam Yauch) wird das Material nun mit Livesound unterlegt und zu einem Gesamtwerk zusammengefügt.

Einen kleinen Eindruck wie der spätere Film aussehen könnte vermittelt das Livevideo zum Uralt-Hit "Brass Monkey", das man hier findet.

(Quelle: Visions.de)

Vier Brüder

2005-11-06T18:24:00.000+01:00

Inhalt

Evelyn Mercer war sowas wie die gute Seele eines Detroiter Ghettoviertels. Sie hat Jugendliche aus Waisenhäusern an Pflegefamilien vermittelt. Weil sie vier besonders schlimme Fälle nirgendwo unterbringen konnte, hat sie sie kurzerhand adoptiert. Nach vielen Jahren kehren die erwachsenen Brüder zurück in ihr Heimatviertel, um ihre Mutter zu beerdigen. Sie wurde Opfer eines kaltblütigen Mordes während eines Raubüberfalls.
Konfrontiert mit dem Tipp, daß die polizeilichen Untersuchungen über den Mord manipuluiert wurden, stellen die Brüder eigene Nachforschungen an. Dabei wird die enge Brüderbeziehung schwer belastet, denn für Bobby (Mark Wahlberg, "Italian Job", "Three Kings") und Angel (Tyrese Gibson, "2 Fast 2 Furious") wird aus den Bemühungen um Aufklärung schnell der Wunsch nach Rache, während Jeremiah (Andre Benjamin von Outkast, "Be cool") das friedliche Erbe der Mutter beschwört.
Die Brüder stoßen auf Verbindungen zwischen organisiertem Verbrechen und korrupter Polizei, die mit dem Mord an der Mutter in Verbindung stehen. Schließlich scheint sogar einer der Brüder in die Sache verwickelt zu sein und am Ende müssen sie noch ein Familienmitglied beerdigen.
Zum Film

Nach "2 Fast 2 Furious" hat John Singleton mit "Vier Brüder" seinen Ruf definitv nicht verschlimmert. Im Gegenteil, der neue Film bleibt Singletons üblicher Umwelt weitgehend treu. Es ist in erster Linie ein Action-Drama im Milieu des schwarzen Amerika, wofür seit Spike Lee und Mario van Peebles der Begriff "New Black Cinema" existiert. Allerdings ist der Film deutlich bemüht, die stereotypen Muster dieses Genres nicht allzu sehr zu strapazieren. Statt Compton, Watts oder Harlem ist das schnee- und eisbedeckte Detroit Ort der Handlung. Statt Goldkettchen-HipHop sorgen Soul- und Motown-Sound von Marvin Gaye und den Temptations für großartige musikalische Untermalung. Allerdings ist auch "Vier Brüder" nicht vollkommen frei von der langweilenden Oberflächlichkeit, die den Zuschauer bei den meisten Filmen aus der "New Black Cinema"-Ecke angesichts von gepimpten Karren, Goldkettchen und Lederjacken über Rollkragenpullis beschleicht. Singleton verzichtet zwar nicht auf die gewohnten Action-Einlagen, die in seinen Filmen gerne mal deftiger ausfallen dürfen. Er stellt dem allerdings auch den emotionalen Konflikt zwischen den Brüdern gegenüber, die alle unterschiedlich um ihre Mutter trauern und hin und her gerissen sind zwischen der friedlichen Erinnerung an die Mutter und dem Wunsch nach Vergeltung. Das schauspielerische Potential wäre jedenfalls mit Mark Wahlberg und - überraschend - Andre Benjamin dagewesen, wurde aber nicht vollständig genutzt. Letztlich stand wohl doch ein Actionfilm im Vertrag, der mit der zweiten Hälfte des Films wohl erfüllt werden sollte. Und ehrlich gestanden, das liegt John Singleton auch ein bißchen besser als emotionale Konflikte.
Trotzdem: Mich hat der Film im Vergleich zu genre-ähnlichen Exemplaren der jüngeren Vergangenheit positiv überrascht.

Vier Brüder bei imdb.com
Offizielle Website

Monster vs. Blondie

2005-11-02T22:41:00.000+01:00

Auf der Seite "izetit.de", der Institution zur Erforschung total interessanter Tatsachen, geht man der Frage nach, ob Monster im Film tatsächlich blonde Frauen als Opfer bevorzugen.

Das interessante Ergebnis findet man hier.

Doom - Der Film

2005-10-30T11:01:00.000+01:00

In die Reihe der unsäglichen Videospiel-Verfilmungen reiht sich nun ein weiteres Machwerk ein: "Doom - Der Film".

Zur Story:
Ein Gen-Experiment in einer Forschungsstation auf dem Mars läuft aus dem Ruder. Fortan verwandeln sich die Forscher in zombieähnliche Geschöpfe oder anderes "Untier" und raffen alles dahin, was nicht bei drei auf den Bäumen ist.
Eine Spezialeinheit unter der Leitung von "Sarge" wird losgeschickt, um den Grund herauszufinden und die Bedrohung auszuschalten.

Wer mehr an Handlung erwartet hat wird enttäuscht, wem das reicht (wahrscheinlich dem typischen Doom-Spieler) wohl aber auch.
Was in den folgenden 100 Minuten von Andrzej Bartkowiak ("Romeo Must Die") und seinen Darstellern, u.a. Dyawne "The Rock" Johnson ("Welcome to the Jungle") und Karl Urban ("Die Bourne Verschwörung", "Herr der Ringe"), dargeboten wird, ist unter aller Kanone.
Bartkowiak gelingt es nicht für 5 Pfenning Spannung zu erzeugen. Lieber setzt er auf billige und blutige Effekthascherei, wobei viel davon leider "im dunklen Ton" des Films untergeht.
Doch gerade die Enge der Forschungsstation und das dunkle Setting hätten durchaus mehr Freiraum für einen konstanteren Spannungsbogen hergegeben.

Bzgl. der schauspielerischen Leistung lässt sich nur eines sagen: Mit Ausnahme von Karl Urban (der durchaus zu mehr in der Lage ist) gibt es keine !!!
The Rock hat einen halben Gesichtsausdruck mehr zu bieten als Steven Seagal und und schafft es daher nicht seinem eh schon sehr stereotypen Charakter etwas abzugewinnen, da auch seine übrigen schauspielerischen Fähigkeiten eher schwach bis gar nicht ausgeprägt sind. Manchmal hat man das Gefühl, eine Scheibe Schwarzbrot hat mehr Seele...

Der Rest der Cast ist zu vernachlässigen. Vor allen Dingen weil hier sämtliche Klischees einer "Spezialeinheit" abgegrast werden: Es gibt einen gottesfürchtigen Soldaten, der sich jedes Mal wenn er den Namen des Herrn verunglimpft eine Narbe zufügt, einen Durchgeknallten sowie einen "Frischling", der passenderweise auch noch "The Kid" heißt, dem bei seinem ersten echten Kampfeinsatz ordentlich die Muffe geht. Natürlich darf auch ein Schwarzer nicht fehlen, den (wie üblich) recht schnell das Zeitliche segnet.
Sarge (The Rock) gibt den unnahbaren Vorgesetzten. Er folgt bedingungslos den Befehlen und macht daher auch nicht davor Halt ,Unschuldige zu töten, solange es dem Fortgang der Mission dient. Reaper (Urban) hingegen stellt den Besonnen dar, dessen Eltern just in dieser Station bei einem Unfall starben, weshalb er von vorneherein ein ungutes Gefühl hat.
(Für Freunde der gepflegten Unterhaltung sei an dieser Stelle "Das dreckige Dutzend" oder "Die Wildgänse kommen" empfohlen...)

Der ganze Film ist vollends vorherzusehen. Das gute alte "10 kleine Negerlein-Prinzip" findet sich bei der Dezimierung der Darstellerriege ebenso wieder, wie die unvermeidliche Konfrontation der beiden gegensätzlichen Hauptdarsteller am Ende des Films.
Die One-Liner sind grottenschlecht und eher unfreiwillig komisch (fast schon peinlich vorgetragen) als gewollt.
Die im Vorfeld des Film groß angekündigte Szene aus der Ego-Perspektive (inkl. Kettensäge !!) ist zwar nett anzuschauen, aber auch hier fehlt irgendwas.
Allein die wohlbekannte BFG (Big Fucking Gun bzw. Big Fragging Gun), die natürlich nicht fehlen darf, vermag den Film nicht zu retten.

Fazit:
Das Szenario von Doom hätte durchaus mehr an Action, Spannung und Tiefe hergegeben. So ist nur ein mehr als unterdurchschnittliches B-Machwerk herausgekommen.
Da bietet die Verfilmung von "Super Mario Bros." (mit Dennis Hopper und Bob Hoskins, 1993) mehr fürs Geld.

Düsseldorf in Tim Burtons "Charlie & die Schokoladenfabrik"

2005-10-19T09:13:00.000+02:00

Vielleicht sollte man, trotz aller Sympathie für 'überdrehte' Filme, darauf hinweisen, dass die Stadt Düsseldorf der Stadt Düsseldorf aus dem Film definitiv nicht ähnlich sieht. Der Hang zur Verallgemeinerung ist wohl dann doch etwas zu stark ausgebildet, wie man wohl auch an der dargestellten Familie sehen kann... Die Menschen auf dem Bild sehen ein wenig so aus, wie die Generation "Wirtschaftswunder"...

Dieser Hinweis kam von http://www.mehrzweckbeutel.de/comments.php?id=P4259_0_1_0

Die Reise der Pinguine

2005-10-15T16:09:00.000+02:00

Im Melodram "Die Reise der Pinguine" erzählen Luc Jacquet und Michel Fessler eine rührende Geschichte von der Stärke der Liebe in der lebensfeindlichsten Region der Erde mitten in der Antarktis.
Mit dem Ende des antarktischen Sommers beginnt für die vielen Darsteller eine 20 Tage dauernde Wanderung in das Innere des Kontinents hin zu einem Ort, an dem sie seit Generationen den Winter verbringen. Dort angekommen bildet man Pärchen zwecks Erfüllung des Kinderwunsches. Nach erfolgreicher Geburt übergeben die Mütter das Sorgerecht an die Väter, damit sie an die Küste zurückkehren können, um sich als Fischerinnen selbst zu verwirklichen. Frisch gestärkt kehren sie zurück, um das alleinige Sorgerecht wieder einzuklagen. Die Väter - mittlerweile stark angegriffen von der Erziehung im tiefsten Winter - sind erleichtert und machen sich umgehend auf die Reise zurück ans Meer.
Neben den Gefahren, die die rauhe Natur in Form von Durchschnittstemperaturen von 40° Grad Kälte und gefräßigen Raubtieren liefert, werden auch sozial heiße Eisen nicht ausgespart. Rabeneltern vernachlässigen den Nachwuchs, kommen ihrer Aufsichtspflicht nicht nach oder sind mit der Erziehung in jeder Hinsicht schlicht überfordert.
Der Tod wird so zum ständigen Begleiter. Am Ende triumphiert jedoch das Wunder des Lebens über die tödlichen Bedrohungen der Natur und gemeinsam mit den Kids erreichen die Mütter die antarktische Küste, um dort die Sommerferien zu verbringen.

Neben der ungewöhnlichen Kulisse gehen die Macher auch sonst unkonventionelle Wege bei ihrer Inszenierung des vielbeschworenen Stoffs der Elternliebe im Angesicht tödlicher Gefahren. Sie heuerten ausschließlich Laiendarsteller an, die zu Hunderten über neun Monate lang mit der Kamera durch den antarktischen Winter gescheucht wurden. Der völlige Verzicht auf Sprechrollen und eine fehlende Festlegung auf Hauptdarsteller zusammen mit dem reduzierten Laienspiel der vielen hundert Komparsen vermittelt dem Zuschauer einen dokumentarisch unverfälschten Eindruck der Geschichte.
Zusammen mit dem Verzicht auf künstliche Beleuchtung bzw. der geschickt in die Dramaturgie eingebauten Polarlichter oder der 24-stündigen Winternächte erkennt man in der Arbeit der Regisseure den Einfluß des dänischen Dogmakinos.
Was diesen Film deutlich vom Realismussüchtigen Dogmakino unterscheidet, sind die absichtlich kühl gewählten Farben, die den liebenden Darsteller an jedem Ort einen frostigen Empfang bereiten. Zudem wollen die Kommentare aus dem Off nicht immer zur todbringenden Landschaft passen. Eigentlich sind die Erzähler das ganze Problem des Films. Die Sprechpassagen der Darsteller werden auf unverständliches Geschnatter reduziert - übrigens ein geschickter Kunstgriff der Drehbuchautoren, die so die Fremdartigkeit der Landschaft unterstriechen wollen. Stattdessen werden ihnen von einer Frauen-, einer Männer- und einer Kinderstimme je nach Situation Worte in den Mund gelegt wie "Unter unseren Füßen summen die Magnetfelder der Erde ihr ewiges Lied" oder "Die, die sich in unserer Oase der Liebe gefunden haben, ziehen sich zum Liebesspiel zurück". Im Angesicht des Ortes auf der Erde, der wohl am ehesten dem gleicht, was man mit "und wenn die Hölle zufriert" beschreibt, ist solch romantisierendes Geschwurbel völlig unpassend. Eine düstere Erzählung hätte hier nicht geschadet und wäre den beeindruckenden Bildern eher gerecht geworden.
Es ist wohl auch dem Einsatz der vielen Laiendarsteller zu schulden, daß das Mimenspiel insgesamt immer etwas eingefroren wirkt und überraschende Wendungen sehr selten sind. Durch die Kulissen fühlt man sich ständig an "Star Wars V - The Empire Strikes Back" und die Anfangsszene auf dem Eisplaneten "Hoth" erinnert. Da wäre zum Beispiel ein überraschender Angriff eines imperialen Kampfläufers oder wenigstens eines Wampa-Eisungeheuers aus dem Hinterhalt eine gelungene Abwechslung gewesen.
Leider hat der Film sein Potential der beeindruckenden Kulissen durch die schwach bleibende Dramaturgie nicht ausgeschöpft. Schade.

Die Reise der Pinguine im Internet
Die Reise der Pinguine bei imdb.com

Bube, Dame, König, GrAs im TV

2005-10-02T17:42:00.000+02:00

Am Donnerstag, 6. Oktober '05, läuft "Bube, Dame, König, GrAs" von Guy Ritchie auf Tele5 um 22:00 Uhr.

"Lock, Stock & Two Smoking Barrels" oder wie der Germane ihn getauft hat "Bube, Dame, König, GrAs" aus dem Jahr 1998 ist der zweite Film von Guy Ritchie und der erste auf den er als Regisseur zu Recht stolz sein darf. Der zweite ist "Snatch - Schweine & Diamanten".
Seit seiner Hochzeit mit Madonna haben ihn bekanntermaßen alle guten Geister verlassen und da sein aktueller Streifen "Revolver" in den englischsprachigen Ländern auch wieder grandios und - was man so liest völlig zu Recht - gescheitert ist und bei uns wohl gar nicht erst anlaufen wird, soll hier nochmal auf diese unterhaltsame Perle hingewiesen werden.
Vier Londoner Kleinganoven wollen bei einem Pokerspiel groß abräumen. Stattdessen schulden sie anschließend dem örtlichen Gangsterboss eine halbe Million Pfund und haben nur eine Woche Zeit zum Bezahlen. Bei der Suche nach der Kohle stoßen sie auf ein paar Ganoven, die ihrerseits dauerbreite Hanfzüchter abzocken wollen. Nebenbei müssen sich die Vier noch des Schlägers ihres Gläubigers erwehren.
Die Darsteller kennt man - wenn nicht aus diesem Film dann - aus "Snatch" und auch die Dialoge und Kulissen stammen aus dem abgewrackten Londoner Kleinkriminellenmilieu. Letztlich hat Guy Ritchie mit "Snatch" diesen Film nur nochmal gedreht.
Ein cooler Soundtrack zusammen mit noch cooleren Sprüchen sorgen als todsichere Zutaten für ein garantiertes Kult-Urteil. Zudem sorgt dafür die Ritchie-typische Videoclipästhetik, die in diesem Film bereits vorweggenommen und in "Snatch" perfektioniert wird mit Zeitraffern und -beschleunigungen, dem Handlungsabriß in Standbildern und der Untermalung mit kultigen Songs.
Über Geschichte und Botschaft darf bei "Bube, Dame, König, GrAs" getrost hinweggesehen werden. Unterhaltung abseits der amerikanischen Ganovenkomödien funktioniert bei Guy Ritchie allerdings tadellos.

"Bube, Dame, König, GrAs" bei imdb.com und bei Tele5.

NVA ausdruckslos gucken

2005-10-02T15:18:00.000+02:00

Im Jahr 1989 muß der 18-jährige Henrik Heidler (Kim Frank) zur Nationalen Volksarmee. Seinem musischen Gemüt entsprechend ist der rauhe Kasernenton für ihn ein schwerer Kulturschock. Zum Glück ergeht es seinen Genossen ganz ähnlich und nach dem Motto "Geteiltes Leid ist halbes Leid" stolpern der naive Henrik, der Rebell Krüger, der dermatologische Supergau Traubewein und der Streber Stadlmair gemeinsam durch die Grundausbildung und lassen zuverlässig keinen der sich bietenden Fettnäpfe aus. Sie verirren sich im Manöver, sprengen sich beinahe mit ihren Granaten in die Luft. Die Dienstälteren terrorisieren sie und schließlich macht die Freundin per Brief Schluß und heiratet den besten Kumpel. Gerade als sich der zarte Henrik dem depressiven Kasernenalltag ergeben will, verliebt er sich in die Tochter des Oberst Kalt (Detlev Buck). Die verbotene Liebe bleibt nicht unentdeckt. Der übereifrige Unterleutnant erwischt die beiden beim Pimpern auf dem Wachturm. Und dann fällt plötzlich die Mauer...

"Von der Sonnenallee in die NVA" - So lautet der Untertitel des neuen Leander Haußmann Films. Kein Wunder also daß die neueste Ostalgieklamotte mit "Sonnenallee" oder auch "Good bye, Lenin!" verglichen werden muß. Die filmische Aufarbeitung der Lebenserfahrung DDR mit den Mitteln der Komödie geht mit diesem Film also weiter. Im Vergleich mit den beiden ersten Filmen ist die Aufarbeitung der NVA-Dienstzeit offensichtlich weniger fruchtbar ausgefallen. Diesen Eindruck hinterläßt zumindest "NVA". Denn die militärische Grundausbildung gepaart mit ostig grauem DDR-Charme scheint Haußmann nur zu wenig mehr als mittelmäßigem Klamauk zu inspirieren.
Anfänglich blitzt in "NVA" die Komik alter Ossimarotten insbesondere bei den Figuren der Offiziere auf wenn sie z.B. vor der Propaganda mit Jazz(sprich: Jatz)-trompete des Westens warnen. Die meisten dieser Darsteller kennt man aus "Sonnenallee".

Der überwiegende Rest der Gags hält dann allerdings am Slapstickhumor fest, was den Zuschauer schnell enttäuscht - hat man sich doch auf das vermeintliche Komikpotential der fremden Welt der NVA-Grundausbildung gefreut. Die wunderbare Persiflierung der DDR-Eigenheiten in "Sonnenallee" wie der MuFuTi (Multifunktionstisch) oder die Drogenexperimente der Jugend mit Erkältungskräutern und Clubcola erreicht "NVA" leider nicht. Flache Wichswitze und Rudelduschen werden nicht unterhaltsamer nur weil sie bei der NVA-Grundausbildung passieren.
Gerade zu Beginn des Films hat man das Gefühl, eine tragikomische Umsetzung passe am besten zu diesem Thema und man muß unweigerlich an den Prototypen aller Militärausbildungsfilme "Full Metal Jacket" denken. Und scheinbar will der Film seinen Anspruch auch gar nicht auf die olle Klamotte beschränken. Da paßt es folgerichtig, daß Soldat Heidler beim Versuch ausdruckslos zu gucken plötzlich losbrüllt: "This is my rifle. There are many rifles but this one is mine..." Und anschließend laut singt: "I don't want no teenage queen / I just want my M16..." In dieser Szene wird man als Zuschauer allerdings sehr traurig. Wie hätte diese Szene gezündet wenn nicht dieser seltsame Hauptdarsteller Kim Frank heißen würde, der den gesamten Film mit soviel gespielter Naivität und nur einem ausdruckslosen - man könnte auch sagen grenzdebilen - Blick (den er ja eigentlich üben will) bestreitet, daß man ihm schon nach kurzer Zeit am Ende des Films einen schlimmen Truppenübungsunfall wünscht.
Die übrigen sehr amüsanten Schauspieler können jedoch auch nicht verhindern, daß "NVA" kein echter Knaller wird. Dafür sorgen Regisseur Haußmann und Drehbuchautor Brussig, denen offensichtlich auf halber Strecke die Ideen ausgingen. So bastelte man sich kurzerhand ein dramatisches Finale mit Explosion, Meuterei und Mauerfall, so daß der Zuschauer nicht anders kann als den Abspann abzuwarten, ob denn da jetzt noch was Gutes kommt.
Kommt aber nix.

Broken flowers

2005-09-16T14:10:00.000+02:00

Zur Handlung

Im Vorspann des Films darf der Zuschauer einen Brief auf seiner Reise durch die USA begleiten. Vom Briefkasten in den Lastwagen, vom Lastwagen ins Verteilerzentrum durch die automatische Sortierung, zurück in einen Lastwagen, in ein Flugzeug und dann ein Sprung zum Briefträger bis der Brief in den Briefschlitz in Don Johnston (Bill Murray) Haus geworfen wird. Dieser sitzt auf einer Couch und nimmt das Geräusch der eingeworfenen Briefe allenfalls zur Kenntnis, der Zuschauer beobachtet sein regungsloses Gesicht, bis seine jüngere Freundin Sherry (Julie Delpy) durch das Bild geht - sie ist auf dem Weg zur Haustür um ihn zu verlassen. Vorher noch nimmt sie den rosa Umschlag zur Kenntnis und überreicht ihn an Don. Dieser beachtet ihn nicht weiter –öffnet ihn erst sehr viel später.

Er kehrt vorerst zurück zu seiner Couch. Kaum mag der Zuschauer glauben, dass von seinem Nachbar und (einzigem?) Freund Winston (Jeffrey Wright) Don Juan genannt wird. Erst mit seinem Nachbar öffnet er den Brief und liest ihn laut vor: eine seiner ehemaligen Geliebten teilt ihm mit, dass er einen inzwischen 19-jährigen Sohn habe, der bereits auf der Suche nach seinem Erzeuger sei. Lakonisch nimmt Don das auf, doch Winston ist ein begeisterter Hobby-Detektiv und ist natürlich sofort Feuer und Flamme für den Plan, die geheimnisvolle Ex und angebliche Mutter seines Kindes aufzuspüren.
Allein für das fragliche Jahr (vor 20 Jahren) stehen fünf Frauen auf der Liste (also doch Don Juan), von denen eine bereits verstorben ist. Gemeinsam suchen Winston und Don nach Hinweisen in der Vergangenheit, aber um die Wahrheit herauszufinden, bleibt Don eine abenteuerliche Reise quer durch die amerikanischen Vorstädte nicht erspart.

Bei seinen unangemeldeten Besuchen bei den unterschiedlichsten Frauen seines Lebens (u.a. Jessica Lange, Sharon Stone und Tilda Swinton) erlebt Don so einige Überrauschungen, aber auch Alltagssituationen wie wir sie alle von Reisen kennen. Nervige Teenager in Bussen, viel zu wenig Platz in Flugzeugen etc. Don gibt vor, bei den Frauen einfach mal vorbeischauen zu wollen, dabei suchen er und der Zuschauer nach Indizien für den Sohn, der ihn wiederum suchen soll.

Bewertung & Eindruck

Don erlebt das „Jetzt“ als Zustand und weniger als Fluss mit einem Ziel. Seine Reise in seine Vergangenheit und die Gegenwart amerikanischer Vororte führt ihn nur zeitweise aus seinem stationärem Leben heraus. Die Vortorte sind nahezu miteinander austauschbar, die dort wohnenden Charaktere haben ihre Illusionen und Identitäten aufgegeben. Eine Aussage über das „suburbane“ Amerika?
Im Film wird er gebeten einen philosophischen Tipp zu geben und er sagt:

"Die Vergangenheit ist vorbei, die Zukunft ist noch nicht hier. Daher, denke ich, gibt es nur das Jetzt." – diese Plattitüde ist vielleicht Ausdruck der Lebenshaltung von Don.

Der Film lebt von Bill Murrays Gesicht – alle gesehenen Situationen spiegeln sich ebenfalls im Ausdruck seines Gesichts wieder und erhalten dadurch entweder größere Absurdität oder zusätzliche Komik. Kein Slapstick Humor zeichnet den Film aus, sondern vielmehr sehr fein gezeichnete Figuren die auf die Welt von Don treffen. In einigen Szenen des Films wird nahezu gar nicht gesprochen und die Handlung minimalisiert, dennoch ist der Film nicht langweilig – die gewollten „Längen“ werden gar nicht als solche empfunden. Besonders hervorzuheben ist, dass mehrmals Dons kurze Träume gezeigt werden (wenn er beispielsweise im Flugzeug in leichten Schlaf verfällt), denn die werden in der „Ich-Perspektive“ gezeigt und so ergänzt der Regisseur Jim Jarmusch weitere Details oder Hinweise.

Eines der großen Zitate aus dem Film:

Don Johnston: [to Lolita] That was a great outfit you weren't wearing earlier.

Fazit
Ein unbedingt empfehlenswerter Film! Anspruchsvolle gute Unterhaltung.

Homepage http://brokenflowersmovie.com/home.html

Stromberg kommt zurück

2005-08-30T18:23:00.000+02:00

Bernd Stromberg kommt wieder. Ab 11.09. zeigt Pro7 jeden Sonntagabend nach dem Spielfilm Folgen der zweiten Stromberg-Staffel. Eigentlich geht es hier ja um Filme, die meisten Autoren dieses Blogs sind allerdings Christoph Maria Herbst sehr dankbar, daß er uns mit der ersten Stromberg-Staffel über eine ansonsten sehr dürftige Fernsehzeit gerettet hat.

Stromberg bei Pro7

Eyes Wide Shut von Stanley Kubrick

2005-08-30T15:38:00.000+02:00

Große Filme: Stanley Kubricks Meisterwerk „Eyes Wide Shut“ lief gestern Nacht im ZDF. Grund genug, hier noch mal auf diesen letzten Film Kubricks hinzuweisen.

Die Handlung:
Neun Jahre sind der erfolgreiche Arzt William Hartford (Tom Cruise) und die ehemalige Galeristin Alice (Nicole Kidman) miteinander glücklich verheiratet. Wie jedes Jahr ist das Paar auf der Weihnachtsfeier des reichen Victor Ziegler (Sidney Pollack) eingeladen. Dort macht ein ungarischer Aristokrat (Sky Dumont – ja genau, der aus dem deutschen Fernsehen) Alice den Hof und schmeichelt ihr. Unterdessen wird William von zwei Models bedrängt. Bill wird in Victors Badezimmer gerufen, wo er der jungen Mandy das Leben rettet, die sich eine Überdosis verpasst hat. Nach einer ordentlichen Tüte Grad, macht in der darauf folgenden Nacht Alice ihrem Ehemann Vorwürfe, und gesteht ihm ihr Verlangen nach einem anderen Mann.

Aufgewühlt und besessen von dem Bild seiner ehebrechenden Frau verlässt er das Haus. In dieser Nacht hat William viele irritierende Begegnungen, so als hätten die Phantasien seiner Frau an seinen eigenen gerührt: Die Tochter eines verstorbenen Patienten gesteht ihm ihre Liebe und eine Prostituierte (Vinessa Shaw) nimmt ihn in ihre Wohnung mit. Der Tipp eines ehemaligen Studienfreundes Nick und nun mäßig erfolgreichen Pianisten führt ihn zu einer streng geheimen, im Stil einer schwarzen Messe gefeierten, außerordentlich bizarren Kostümorgie in einem schlossartigen Anwesen.Als eine Frau ihn dringend bittet, zu gehen wird er entdeckt und demaskiert. Er wird vor einen Zeremonienmeister gebracht und soll bestraft werden. Da die Frau Bills Bestrafung aber auf sich nimmt, wird er verschont und darf das Haus verlassen.

Am folgenden Tag sucht er wieder Nick auf, muss aber von einem Portier erfahren, dass dieser, mit einem Bluterguß im Gesicht und begleitet von zwei Männern, sein Zimmer mit unbekanntem Ziel verlassen hat. Als er das Haus besucht in dem Tags zuvor die Orgie stattfand, erhält er einen Zettel mit der Nachricht, er solle seine Nachforschungen aufgeben, da sie fruchtlos und gefährlich seien. Beim Zurückgeben des Kostüms trifft Bill die Japaner und erfährt, dass diese mit dem Vater des minderjährigen Mädchens eine Einigung finanzieller Natur getroffen haben. Ähnliche Dienste werden ebenfalls ihm angeboten. Bill trifft zuletzt die Mitbewohnerin der Prostituierten und erfährt von dieser, dass sie kurz zuvor einen positiven HIV-Test erhalten habe, und vermutlich nicht wiederkomme.

Bill wird von Victor zu sich gerufen, der ihm versichert, dass alles nur eine Theater, eine Täuschung gewesen sei um ihm Angst zu bereiten und ihn ruhig zu stellen. Mandy sei zwar wirklich die Frau gewesen, die ihm auf der Orgie das Leben gerettet habe, aber sie sei tatsächlich an einer Überdosis gestorben. Verwirrt kehrt Bill nach Hause zurück, wo er Alice von seinen Versuchen, sich für die geträumte Untreue zu rächen, berichtet. Sie vergeben sich und gehen mit der gemeinsamen Tochter einkaufen.

Der Film

Der Film basiert auf der nicht minder spannenden literarischen Vorlage „Traumnovelle“ von Arthur Schnitzler. Der Film folgt ihr nicht in allen Punkten: Ein Wiener Arzt, Fridolin, Mitte dreißig, irrt nach einem beunruhigenden Gespräch mit seiner Gattin Albertine über beiderseitige, bislang verschwiegene sexuelle Versuchungen durch die nächtliche Stadt, wird in flüchtigen Begegnungen erotischen Verlockungen ausgesetzt, die unerfüllt bleiben, verschafft sich Zutritt zu einem Kostümball mit nackten Tänzerinnen, wird dort als Eindringling entdeckt und entgeht nur durch das „Opfer“ einer Unbekannten, die schon zuvor sein Verlangen entfacht hatte, einer „Stafe“. Nach Hause zurückgekehrt, schreckt Albertine aus

einem Traum auf, in dem sie, wie sie berichtet, es mit anderen Männern trieb. Anderntags sucht Fridolin die Orte seiner nächtlichen Erlebnisse nochmals auf, in dem rachedurstigen Vorsatz, nun alle Begierden auszuleben, der sich aber wiederum nicht erfüllt. Nachdem er seine unbekannte Retterin in der Leiche einer Selbstmörderin wiedererkannt zu haben glaubt, beichtet er daheim Albertine alles Erlebte, woraufhin sie beide sich wieder „traumlos nah“ kommen.

Kubricks Schilderung geht (natürlich) weiter. Die Dialoge bleiben seltsam gekünstelt, die Figuren William und Alice sprechen ein wenig wie im Theater und bedienen sich seltenst der Alltagssprache. Gegenpart dazu wären Figuren wie Victor Ziegler und Nick, der Pianist; wobei Alice zu Beginn des Films (wenn sie mit „Sky Dumont“ tanzt) extrem haucht. In der Szene, in denen Alice und William eine Tüte rauchen spricht und bewegt sie sich ebenfalls extrem langsam. Somnambul könnte man fast sagen, schlafwandlerisch.

Kubrick stellt die Farben Blau und Rot in den Vorder- bzw. Hintergrund und die Filmmusik spielt eine dominante Rolle. Überhaupt spielt die Bildsprache eine angemessene Rolle (nein, nicht wie bei Wim Wenders, der es mit der „Kunst“ im Film wohl etwas zu gut meint und damit, zumindest bei mir, eine Art Narkolepsie auslöst). Wenn William sich nach seiner Demaskierung durch die Stadt bewegt, wenden sich viele Menschen auf der Straße sich ab oder man sieht den größten Teil der Statisten nur von hinten zu sehen oder das Bild fokussiert sich vollkommen auf William und erscheint größer und klarer als seine Umwelt. Sicher standen hier Motive aus der „Traumwelt“ Pate.

Homepage des Film mit zahlreichen Trailern: http://eyeswideshut.warnerbros.com/

Filmzitate

2005-08-25T16:07:00.000+02:00

Auf verschiedenen Seiten besteht die Möglichkeit sich Filmzitate, sei es "schriftlich" oder als MP3, zu Gemüte zu führen.

Ein grober Überblick:

Movieqoutes.de
(Zitate im MP3 Format, relativ geringe Auswahl, dafür "Standardwerke" wie z.B. The Big Lebowski oder das Leben des Brian)

Filmzitate Datenbank
(große Auswahl, leider einige Zitate doppelt gelistet)

Filmzitate
(große Auswahl, auch als MP3 / unter Stuff)

Die bislang größte und (meiner Meinung nach) beste Seite Filmzitate.org ist leider aufgrund von urheberrechtlichen Unklarheiten geschlossen. Ob und inwieweit das Auswirkungen auf die o.g. Seiten hat, ist unklar.

Die 100 besten Filmzitate im Original, gewählt vom American Film Institute, findet man hier.

Auf giga.de gibt es ein Filmzitate-Quiz. Hierfür ist jedoch eine Registrierung notwendig.

Die lustigste Falschübersetzung eines (bekannten) Filmzitates ist übrigens diese:

May the force be with you wird zu Am vierten Mai werden wir bei euch sein
(auf der Pressekonferenz zu Episode III zeigt sich, das der Simultanübersetzer wohl kein Star Wars Fan ist)

Clerks

2005-08-22T17:12:00.000+02:00

Gefragt nach meinem Lieblingsfilm, muss ich zugeben, dass ich keinen habe. Es gibt eine Reihe von Filmen, die bei mir einen bleibenden Eindruck hinterlassen, es gibt aber auch solche, die ich immer wieder gerne sehe und aus denen ich viel zitiere (sehr zur Freude meines teilweise kinophoben Umfelds).

Ein solcher Film ist „Clerks“ (auch unter „Clerks – Die Ladenhüter“ zu finden) aus dem Jahre 1994, das Erstlingswerk von Kevin Smith, der in den letzten Jahren z.B. „Dogma“ und „Jersey Girl“ gedreht hat.

Um es vorne weg zu nehmen: Clerks ist in schwarzweiß gedreht und verfügt nicht über eine deutsche Synchronfassung. Es gibt nur eine mit deutschen Untertiteln, die ab und zu bei den dritten Programmen läuft. Ich möchte mir aber auch die aberwitzigen Dialoge der Protagonisten lieber nicht übersetzt ausmalen.

Die Story: Dante und Randal sind Anfang zwanzig und leben in einem Kaff in New Jersey. Der eine arbeitet im Quick Stop, einem kleinen Supermarkt-Verschnitt, der andere direkt nebenan in der Videothek.

Dante wird am Samstag Morgen von seinem Chef angerufen und muss zur Arbeit erscheinen, und das an seinem freien Tag. Von da an wird es für ihn nicht gerade besser. Die Rollläden vor dem Laden lassen sich nicht öffnen (Trick von Kevin Smith, der zur Drehzeit tagsüber in eben diesem Laden gearbeitet hat und nur nachts drehen durfte), ein Kunde vergrault die Zigaretten-Käufer, seine Ex-Freundin wird heiraten, seine aktuelle Freundin enthüllt ein paar interessante Details ihrer Vergangenheit, eigentlich müsste er um zwei Hockey spielen, usw.

Der Film lebt von seinen skurillen Charakteren und deren Dialogen. Ein Großteil des Film spielt sich im, um und auf dem Quick Stop ab, tolle Landschaftsaufnahmen sind also nicht. Dafür sieht man Jay und Silent Bob (Kevin Smith himself) in ihrem ersten Film und lernt Star Wars mit neuen Augen zu sehen.

Dieser Film sei jedem ans Herz gelegt, der außergewöhnliche und dabei verdammt witzige Filme zu schätzen weiß. Nichts für den Massengeschmack, aber definitiv Kult.

Kevin Smith dreht zur Zeit eine Fortsetzung. Man darf also gespannt sein.

Weitere Infos gibt’s bei der Internet Movie Database und auf der Seite von Kevin Smith's Produktionsfirma.

In diesem Sinne, noch ein kleines Zitat:
"This job would be great if it wasn't for the fucking customers."

Der verbotene Schlüssel

2005-08-18T10:10:00.000+02:00

Neu angelaufen unter anderem: Der verbotene Schlüssel - Skeleton key

"Krankenpflegerin Caroline nimmt eine Stelle bei einem älteren Ehepaar an, um sich um den bettlägerigen Mann zu kümmern. Neugierig erkundet sie auch das alte Haus, das gruselige Geheimnisse zu bergen scheint und entdeckt dabei Schauerliches..."

Die FAZ nennt den Film "handgemacht", er käme ohne digitale Effekte aus - was man durchaus gutfinden kann. Kaum mehr ist aus der Ankündigung herauszulesen. Auf der anderen Seite schreibt ein Kritiker von Filmstarts.de schon etwas mehr:

Und dennoch: Der Twist ist stark, die Magie der schwarzen Macht liefert wohlige Gänsehaut bis zum Schluss und die Aufmerksamkeit des Zuschauers wird durch winzige Hinweise und versteckte Puzzlestücke aufrecht erhalten. Wenn allerdings der Abspann läuft, wünscht man sich seine Zeit anderweitig vergeudet zu haben, als mit diesem oberflächlichen Terror, der die Intelligenz des mittlerweile sehr klugen und belesenen Genrepublikums nicht gerade herausfordert. (Artikel hier)

Postiv vermerkt wird in vielen Besprechungen Kate Hudson die hier keine so sehr sympathische Dame spielt. Warten wir auf die erste Besprechung von einem der Filmblog-Autoren...

Homepage zum Film

Mit dem Zweiten sieht man besser "Infernal Affairs"

2005-08-15T12:23:00.000+02:00

Am kommenden Freitag, 19.08.2005, läuft um 23:05 im ZDF eine Perle des Hongkong-Kinos. Es geht um den Thriller "Infernal Affairs - Die achte Hölle" aus dem Jahr 2002. Neben der Tatsache, daß der nächste Scorsese-Film ein Remake dieses spannenden Polizeithrillers mit Leonardo DiCaprio, Matt Damon und Jack Nicholson werden soll, ist der Film auch noch zu empfehlen weil er einfach gut ist.
Ein Undercover-Cop und ein Triadenspitzel bei der Polizei jagen sich gegenseitig ohne genau zu wissen, wer der andere eigentlich ist.
Die Hauptdarsteller sind durch die Bank Superstars des Hongkong-Kinos. Der Triadenspitzel wird gespielt von Andy Lau, den man zuletzt in House Of Flying Daggers in unseren Kinos sehen konnte.

Infernal Affairs verzichtet weitgehend auf die typischen Ballerszenen der harten HK-Polizeifilme und schafft es stattdessen mit einer kühlen und ruhigen Inszenierung eine beständige Spannung bis zum Schluß zu halten. Im Gegensatz zu Martin Scorsese gelingt es dem Regisseur Andrew Lau auch deswegen, weil er in 90 Minuten zum Punkt kommt. Wir dürfen gespannt sein, was sich Scorsese ausdenkt um seine obligatorische Drei-Stunden-Grenze zu knacken.

"Infernal Affairs - Die achte Hölle" ist übrigens Teil einer ganzen Reihe des asiatischen Actionkinos, die das ZDF zur Zeit an den Wochenenden zeigt. Und für angenehme Überraschungen aus dieser Ecke sorgt nicht nur dieser Streifen.

Sündhaft gute Unterhaltung in Sin City

2005-08-15T10:10:00.000+02:00

"Die beste Comic-Verfilmung des Jahres!" So oder ähnlich lautete das Fazit der meisten Kritiken zu Sin City. Nach Fantastic Four, Electra oder Catwoman sollte dieses Urteil also höchstens für ein schwaches Ausreichend reichen. Warum also dieses Urteil dem Film Unrecht tut und warum es doch mindestens eine Eins minus sein dürfte, sollte man sich unbedingt in einem Programmkino seiner Wahl anschauen. Denn die großen Multiplexkinos weigern sich bisher Sin City zu zeigen, weil der Verleih ihn bereits Ende des Jahres auf DVD veröffentlichen will.

In vier Episoden gelingt es dem Regisseur Robert Rodriguez mit Hilfe von Quentin Tarantino nicht nur eine düstere Comic-Reihe zu verfilmen. Sin City schafft ein neues visuelles Erlebnis. Die Bilder im Film wirken wie geschaffen für die Erzählung - über die man sich übrigens keine Illusionen machen sollte. Es geht um Rache, Korruption, Kannibalismus, Vergewaltigung, Huren und .45er Kaliber. Wem diese Klischees nichts ausmachen, wird mit einer großartigen Inszenierung all dieser Stereotypen belohnt.
Für den optischen Genß sorgt die durchgehend digital gschaffene Kulisse. Basin City erscheint konsequent in schwarzweiß. Vereinzelte Symbole schimmern rot oder gelb. All das provoziert zwar den Comic-Vergleich, verschafft den Geschichten aber gleichzeitig die nötige Ironie.
Perfekt machen diesen Eindruck große Namen der Schauspielzunft. Geworben wird zwar überwiegend mit Bruce Willis und Jessica Alba, wobei letztere eindeutig die schwächste weibliche Darstellerin ist. Der heimliche Hauptdarsteller ist aber definitv Mickey Rourke als Marv, von dem Dwight (Clive Owen) an einer Stelle sagt, er sei ein Held, der im falschen Jahrhundert geboren wurde. er passe besser auf ein antikes Schlachtfeld, wo er mit einer Axt Schädel spalten würde. Das Schöne an Sin City ist, Marv spaltet die Schädel einfach in seinem Jahrhundert und zwar mit Genuß.

Sündenfall DVD - Der Fall Sin City

2005-08-12T09:11:00.000+02:00

Hier ein Auszug aus einem Artikel von Spiegel-Online über den Grund, warum der Film nicht im UCI,CineStar und CineMaxx angelaufen ist:

Heute sollte die Comic-Verfilmung "Sin City" in den Multiplex-Palästen anlaufen. Aber die drei großen Kinobetreiber streiten auch bei diesem Film mit den Verleihern über die sogenannte Zweitvermarktung per DVD oder Video. Bisher war es in Deutschland üblich, dass zwischen der Erstausstrahlung der Filme im Kino und der Zweitvermarktung rund sechs Monate liegen.

"'Sin City' wird voraussichtlich noch vor Weihnachten als DVD auf den Markt kommen", sagte eine Sprecherin der Verleihfirma Buena Vista International, Kerstin Butenschön, zu SPIEGEL ONLINE. Und genau hier liegt das Problem: Mit einer Vermarktung der Filme als DVD bereits vor Ende des Jahres unterschreitet Buena Vista die Zweitvermarktungs-Frist um rund einen Monat.

Ziel der Verleiher und Produktionsfirmen ist es, durch Raubkopien entstehende Verluste einzudämmen, indem man die DVDs möglichst schnell vermarktet. Die Kinobetreiber sehen durch dieses Vorgehen jedoch die Exklusivität der Aufführung eines Films im Kino bedroht. Man hat Angst, dass die Zuschauer zuhause auf die DVD oder das Video warten, anstatt die Lichtspielhäuser zu besuchen. Bei gleichbleibenden Kosten sei die Aufführung der Filme so nicht mehr wirtschaftlich, sagte Cinemaxx-Sprecher Arne Schmidt dem Online-Magazin "Telepolis".

(...)

"Aus wirtschaftlichen Gründen haben wir den Film heute noch nicht mit in das Programm aufgenommen, da die Leihkosten unserer Ansicht nach zu hoch sind. Aber die Gespräche mit dem Verleih laufen noch. Es ist möglich, dass wir den Film nachträglich noch aufnehmen", sagte Cinestar-Sprecher Jan Osterlin zu SPIEGEL ONLINE. Zur Auseinandersetzung selbst und zum Stand der Verhandlungen wollten weder Buena Vista noch die Kinobetreiber Stellung nehmen.

Zum ganzen Artikel geht es hier...

„Sin City”: Sechs Richtige mit Zusatzfarbe

2005-08-10T12:09:00.000+02:00

Die Besprechung des Films in der FAZ lässt vermuten, der Film ist besser als sein Trailer:

Für Risiken und Nebenwirkungen dieses Films lesen Sie bitte den ersten Absatz. Denn es wird abseits der nur von Spezialanbietern auf DVDs und in Videokabinen befriedigten Lust an extremen Gewaltszenen in diesem Jahr keinen anderen Film in den regulären deutschen Kinos geben, der in der Drastik der Darstellung weiter geht als „Sin City”.

In ihm werden Menschen auf eine Weise malträtiert, die über die üblichen Erwartungen an einen Actionfilm weit hinausgehen. Es werden Glieder amputiert und Köpfe abgesäbelt, es wird gehauen, gestochen und geschossen, als gebe es kein Morgen und als müßten deshalb alle Himmelhunde auf dem Weg zur Hölle zugleich von den Ketten gelassen werden. Die Akteure, unter ihnen ein rundes Dutzend denkbar prominenter, spielen Rollen mit der moralischen und interpretativen Tiefe von Abziehbildern. Und das Ganze ist überdies laut. Sehr laut sogar...

„Sin City”: Sechs Richtige mit Zusatzfarbe - FAZ.NET - Feuilleton

In den USA erscheint Sin City übrigens am 16. August auf DVD...

Der Teufel steckt im Detail...

2005-08-08T22:27:00.000+02:00

...und das wissen wir nicht erst seit heute.

Besonders bei Filmen die im Fernsehen laufen vermag man nicht zu sagen, ob man die "ungestückelte" Fassung zu sehen bekommt, oder lediglich die FSK 12 Fassung eines Streifens, der im Original eine Einstufung "ab 18" erhalten hat (z.B. die Pro7 Version von "The Rock" oder die Fernsehfassung von "From Dusk till Dawn").

Wer wissen will inwiefern ein Film oder eine Serie geschnitten wurde, hat auf der Seite "Schnittberichte" (in der Linkleiste zu finden) die Möglichkeit, sich über die unterschiedlichen Versionen kundig zu machen.

Größtenteils bebildert und mit detailierter Zeitangabe (Minutenangabe der Szene, Länge des Schnitts bzw. Länge der herausgeschnittenen Szene) kann man sich so ein Bild darüber verschaffen, welche Szenen dem Zuschauer (aus welchen Gründen auch immer) vorenthalten wurden...

LA Crash

2005-08-05T11:42:00.000+02:00

Gestern lief „LA Crash“ an – ein unerwartet guter Film (um das gleich vorwegzunehmen).

Zu Beginn des Films sehen wir zwei Afro-Amerikaner aus einem Restaurant kommen – sie sprechen über die Diskreminierung der Schwarzen in den USA; darüber das Schwarze kriminalisiert werden, dass man in ihnen stets Verbrecher sehe – wenige Sekunden später ziehen die beiden eine Waffe und nehmen einem Paar ihr Auto ab und rasen damit in die Nacht.

Die aufkeimende Ironie des Films wird dann jedoch mit einer selten erlebten (im Kino jedenfalls) Intensität der Begegnungen zwischen den Figuren des Films durchkreuzt: Staatsanwalt Rick Cabot (Brandan Fraser) und seine Ehefrau Jean (Sandra Bullock) – die Opfer des Autoraubes - die beiden Täter Peter (Larenz Tate) und Anthony (Chris „Ludacris“ Bridges), Officer John Ryan (Matt Dillon) der einen kranken Vater zuhause hat, mit seinem jungen Kollegen Tom (Ryan Philippe), das schwarze Ehepaar Cameron (Terrence Howard) und Christine (Thandie Newton), Leutnant Graham Waters (Don Cheadle), Daniel der „Latino“ vom Schlüsseldienst und seineTochter Lara (Ashlyn Sanchez), Farhad (Shaun Toub) Besitzer eines iranischen Kleinwarenladen und seine Tochter.

Alle leben sie im „Schmelztiegel“ Los Angeles, aber nicht miteinander, sondern vielmehr nebeneinander.

Wenn der Film sie sich begegnen lässt, dann in einer nahezu gnadenlosen Intensität unter- und miteinander (Vater-Tochter; Mutter-Sohn, Ehemann-Ehefrau, Partner-Partnerin, Sohn-Vater) und gegeneinander (schwarzes Ehepaar und weißer Polizist), wenn die Figuren ihren Mikrokosmos verlassen müssen und gezwungen werden mit anderen Figuren zu reagieren. Deshalb ist das Wort vom „Schmelztiegel“ vielleicht auch das falsche – „Reaktor“ wäre vielleicht das bessere. Rassismus und Gewalt sind allgegenwärtig, dennoch ist keine der Figuren einseitig gezeichnet. Die meisten Charaktere pflegen einer anderen Gruppe gegenüber ein paranoides Misstrauen (was dem Film einige erschreckende Wendungen beschert) bis hin zum Hass. Der Rassismus und die daraus resultierende Gewalt ist in diesem Film keine Rassismus der ideologischen Verblendung der für sich steht, sondern ein Teufelskreis der sich immer weiter dreht und aus dem es auch kein Entrinnen gibt, auch nicht durch vermeintliche „political correctness“ – auch diese ist in LA Crash kein Schutzmechanismus, sondern nur ein Teil des Kreises.
Ein Ausweg aus diesem Kreis deutet der Film deshalb gerade nicht an, was ihm nur zugute kommt. Mehrmals wird aber den Figuren aber die Sinnlosigkeit bewusst, die Rache und Gewalt haben.

Der Zuschauer ist es vielleicht gar nicht mehr gewöhnt, dass ein Film mit Handlung vorangetrieben wird, statt mit viel Action zwischen zwei von drei Elementen einer Pseudo-Handlung.
Gekonnt werden in LA Crash verschiedene Handlungsstränge miteinander verknüpft, mit zahlreichen überraschenden Wendungen und großartig agierenden Schauspielern (die Liste oben spricht ja für sich).
Mich persönlich hat es etwas verwundert, dass der Film in den USA so erfolgreich war; wird doch Rassismus gern heruntergespielt als Randproblem einer funktionierenden Gesellschaft.

Fazit: Dieser Film hat sich gelohnt. Nach den zahlreichen visuellen und narrativen Auspeitschungen durch diverse Kinofilme in letzter Zeit einmal wieder ein richtiger "Kinofilm".

Over There - US-amerikanische Serie über den Irak-Krieg

2005-08-04T11:01:00.000+02:00

Der US Kabelsender FX hat eine Fernsehserie über den Irakkrieg auf den Weg gebracht und zeigt offenbar besser was passiert als die Fernsehnachrichten des Landes. Der amerikanischer Autor des Artikel im Zeit Feuilleton Wie das Fernsehen den Krieg erfindet schreibt sogar:

Over There (»Dort drüben«) wird auf dem Kabelkanal FX ausgestrahlt, einem Ableger des Fernsehsenders Fox. Wer die Worte »Fox«, »Irak« und »Fernsehserie« im gleichen Satz liest, dem darf man es nicht übel nehmen, wenn er eher an Leni Riefenstahl als an Erich Maria Remarque denkt.
...
Over There ist die Erfindung von Steve Bochco, dem angesehenen Schöpfer einer langjährigen, hyperrealistischen Kriminalserie namens NYPD Blue. Deren jüngste Folgen drehten sich beispielsweise um die Mitglieder einer New Yorker Mordkommission. Bochcos Krimishow hat die Polizei jedoch nie verherrlicht oder herabgesetzt. Sie hat ihr tägliches Geschäft gezeigt, im Guten wie im Schlechten. Sie hat klar gemacht, was es bedeutet, bei der New Yorker Polizei zu arbeiten. Dieses Gestaltungsprinzip wendet Bochco nun auch auf den Irak-Krieg an.

Solange der Durchschnittsamerikaner nicht erfährt, was wirklich in dem Land passiert, wird er sich wohl auch keine Meinung über diesen Krieg bilden können...

La Isla Bonita

2005-08-03T17:11:00.000+02:00

Hauruck-Regisseur Michael Bay versucht sich mit dem Gentechnik-Thriller "Die Insel" an einer Kreuzung aus rabiatem Actionspektakel und zeitkritischer Science-Fiction. Was als viel versprechendes Experiment im Genrekino beginnt, endet allerdings in einem kindischen Klonkrieg ohne Konsequenz

Der Spiegel über den Actionfilm, der heute in den deutschen Lichtspielhäusern anläuft

Klonst du noch, oder lebst du schon?

Angriff der Killerscheiben

2005-08-02T13:57:00.000+02:00

Das Kino ist durch die Konkurrenz der DVD bedroht. Doch es arbeitet auch fleißig an seiner eigenen Auflösung
Das Kino steckt wieder in der Krise. Von einem Besucherrückgang um ein Viertel in diesem Sommer ist die Rede, zehn Prozent sind es jedenfalls in der ökonomischen Statistik. Die Schlüsselposition auf dem Markt der audiovisuellen Erzählung erobert derweil die DVD. In den zehn Jahren, seit sie auf dem Massenmarkt ist, hat sie bewiesen, dass sie doch mehr ist als nur ein schnelleres, luxuriöseres und handlicheres Speichermedium für den gewöhnlichen Bilderfluss. Die Zeit von Projektoren und Filmstreifen scheint vorbei zu sein; das Kino der Zukunft wird demnächst per Satellit zur digitalen Projektion aus dem Orbit geholt und allenfalls auf kleinen silbernen Scheiben konserviert. Und wie es in Umbruchzeiten der Fall zu sein pflegt, reden sich die Apokalyptiker, die Opportunisten, die Hysteriker und die Nostalgiker in ihre jeweiligen Rollen und Ragen hinein.

Die Zeit analysiert ausführlich, warum das Kino in der Krise sein könnte...
Die Zeit - Feuilleton : Angriff der Killerscheiben

Her mit den alten Serien...

2005-07-29T14:00:00.000+02:00

Die Helden unserer (zumindest teilweise meiner) Jugend kehren auf die große Leinwand zurück. Alte Serien werden immer häufiger fürs Kino umgesetzt. Mal gut bis sehr gut ("Starsky & Hutch"), mal schlecht bis miserabel ("3 Engel für Charlie").
Nun gesellen sich neue Filme hinzu, teilweise von großen Namen bearbeitet. So werkelt John Woo ("Face/Off") an einer neuen Adaption von "He-Man", Michael Bay ("Bad Boys","The Island") an der Umsetzung der "Transformers", während am 25.08 die Kinoumsetzung der "Dukes of Hazzard (Ein Duke kommt selten allein)" anläuft. Und auch die "Schlümpfe" sollen (als 3D Trickabenteuer) ins Kino gebracht werden.

Aber was ist mit den anderen großen Serien?
Hier meine (teilweise nicht ganz ernst gemeinte) Wunschliste für (Zeichentrick-) Serienumsetzungen, die in den nächsten Monaten ganz oben auf der Produktionsliste der großen Hollywoodstudios stehen sollten...

Saber Rider und die Star Sheriffs
Galaxy Rangers
Dr. Snuggles
Die Abenteuer des Teddy Ruxpin
Die Bobobobs
Defenders of the Earth
Grisu, der kleine Drache
Cool McCool
BraveStarr
She Ra - Prinzessin der Macht
Thundercats
Tom & Jerry
Siebenstein
Wickie und die starken Männer
Ducktales
Airwolf
Street Hawk
Knight Rider
A-Team
Simon & Simon
Trio mit 4 Fäusten
Der 6$ Dollar Mann
CHiPs
Stingray
Agentin mit Herz
21 Jumpstreet
Booker
Peter Strohm
Magnum
Sledge Hammer
T.J. Hooker
Auf Achse
Ein Colt für alle Fälle
Hardcastle & McCormick
Hart aber Herzlich
Highwayman
Pazifikgeschwader 214
Renegade - Gnadenlose Jagd
Walker - Texas Ranger
Die Spezialisten Unterwegs
V - Die außerirdischen Besucher kommen
Alf
Diese Drombuschs
Ich heirate eine Familie
SOKO 5113
Matchball
Die Fraggles
Robbi, Tobbi und das Fliewatüüt
U.F.O.
Mondbasis Alpha Eins
Kampfstern Galactica
Max Headroom
MacGyver
Die dreibeinigen Herrscher
Pacific Blue - Die Strandpolizei

Falls ihr eine dieser Serien gerne mal wieder im Fernsehen betrachten möchtet, stimmt einfach bei der "Wunschliste" ab...

Schon wieder Krieg der Welten....

2005-07-28T11:39:00.000+02:00

Der Herausgeber dieses Blogs
::: Welcome to the back door of my world... ::: bringt es auf den Punkt:
But the best part was in the end... Almost the entire planet is utterly destroyed, but when Ray and his daughter arrive in Boston, his wife (who has pregnant in the beginning of the movie but not 2 days later!) and the rest of the family come out of their house (everything around of which is also destroyed) in neat clothes and with a smile like nothing has ever happened. His son, who left them in the middle of the movie for no apparent reason (probably if he just did not fit in the plot), is also there, (naturally) the only survivor of a previous alien's attack...

und:
Terrible plot, terrible acting, bad directing (using every single kind of clis�that one can see in a film), you are going to waste your time if you watch it! I knew Tom Cruise couldn't act so I was not expecting anything more from him. I also knew Spielberg had a tendency towards "standardised" expected directing so I wasn't expecting much from him either.

Steven Spielbergs erster Film über „böse“ Aliens soll also „Krieg der Welten“ sein, ein großer Stoff – ein sehr bekannter Stoff. Viele Kinogänger werden in der Regel wissen, wie der Film ausgehen muss, denn der Roman ist ja hinlänglich bekannt. Davon geht wohl auch Steven Spielberg aus, wenn er seinem Film, das sei schon vorausgenommen, so flach enden lässt wie kaum einen anderen Film. Vom altbewährten „letzten Kampf“ keine Spur. Doch gehen wir zurück zum Beginn des Films. Positiv überrascht das der Protagonist kein Held im eigentlichen Sinne ist, sondern einer der vom Leben nicht viel erwartet. Dieser „Held“ wird von Spielberg in die Geschichte geradezu hineingeworfen. Er bemerkt die Veränderungen auf der Welt erst, als sie ihn direkt betreffen und sich direkt in seinem Viertel ein „Dreibeiner“ aus dem Boden schraubt. Die „Schläfer“-Metaphorik ist ja bereits in einigen Zeitungsartikeln abgehandelt worden. Das ist der gute Anfang des Films; doch dann packt unser Held seine Kinder ins Auto und führt mit ihnen ins Irgendwo und von da an schnürt der Filme einzelne, schon häufiger gesehene, Elemente dramatischer Filme aneinander: Das Fortbewegungsmittel ist in Gefahr; bei der Flucht auf einem Schiff wird das Schiff selber zum Ziel, Sohn will kämpfen – Vater will ihn nicht gehen lassen, man versteckt sich in einem Keller vor Außerirdischen; ein Familienmitglied wird in ein Raumschiff gezogen und wieder befreit etc... Nichts originelles und viele seltsame Ungreimtheiten... "Konstantinos" hat es auf den Punkt gebracht...

Die Fantastischen Vier

2005-07-14T23:06:00.000+02:00

Die neue Marvel-Verfilmung ist großer Schrott. Punkt.
Mehr gibt es dazu nicht zu sagen.

Wer eine tiefergehende Auseinandersetzung mit dem Thema wünscht, möge sich hier umtun:

Spiegel-Online ("Vier Verliert")
Filmstarts.de

Die Herrschaften vertreten die gleich Meinung.

Ich bin i.M. zu sehr geschockt über mich selbst. Weil ich einen herrlichen Sommerabend (zwar im Kreise meiner Freunde, jedoch) mit so einem Müll verbracht habe...

Der ARD "Tatort" von gestern

2005-07-11T12:47:00.000+02:00

Der "Tatort", das Krimi-Flagschiff der ARD. Seit gestern reiht er sich ein in die unseriöse Berichterstattung über jugendliche Gewalttäter, die angeblich am PC das töten lernen können.

Es ging im groben um einen Jungen, der sich mithilfe eines Scharfschützengewehrs an all denen rächen wollte, die ihm bzw. seinen Eltern Schaden zugefügt hatten.

Trainiert hatte er das nicht nur mithilfe seines Vaters (an einen echten Gewehr), sondern er benutzte auch ein Computerspiel, natürlich einen 3D-Shooter. Doch statt ein echtes PC-Spiel mit "echter" Grafik zu benutzen (wahrscheinlich hatte man Angst vor einem weiteren Schleichwerbungsfall), filmte man kurze Schußwechsel mit echten Schauspielern und bearbeitete diese mit einem sehr schlechten Effekt, um diese kurzen Szenen wie Ausschnitte eines Videospiels aussehen zu lassen.

Als dann gegen Ende des "Tatorts" das Sondereinsatzkommando anrückte, um den Jungen den Garaus zu machen, fielen Sätze wie: "Tun sie das nicht. Das ist genau das was er will. Das hat er trainiert. Er will das sie sich genau wie die Gegner in seinem Videospiel verhalten...".

Dabei ist der Tatort durchaus dafür bekannt, brisante Themen aufzugreifen und in gute Geschichten zu verpacken. Hier wurden jedoch die nebulösen und fadenscheinigen Argumente des ZDF Magazins "Frontal 21" kopiert und in einen scheinbar tagesaktuellen Kontext gepackt, um evtl. auch eine andere Zielgruppe auf die Gefahren der "Gewaltspiele" aufmerksam zu machen, wobei viele Zuschauer einige Aspekte durchaus für bare Münze nehmen könnten...

Krieg der Welten - die 2te

2005-07-05T09:26:00.000+02:00

Bzgl. der vorherigen "Nichtbesprechung" des Films in der aktuellen Tagespresse muss man sagen, dass sich sämtliche Journalisten verpflichten mussten, vor dem offiziellen Filmstart nicht eine Zeile zu veröffentlichen. Ansonsten drohten ihnen strafrechtliche Konsequenzen in Form von horrenden Schadensersatzforderungen.
Zudem wurden die Pressevorführungen mit Nachtsichtgeräten überwacht, so dass keine abgefilmte Version in die einschlägigen Tauschbörsen gelangen konnte (ob dies gelungen ist, vermag man nicht zu sagen).

Was die Kritiken angeht, ist das Presse-Echo durchaus geteilt, jedoch scheinen sich viele darauf einigen zu können, das "Der neue Spielberg" nicht die großen Erwartungen erfüllen kann und eher im Mittelmaß zu finden ist, während andere (u.a. Spiegel.de) Lobeshymnen abfeiern. Eine Kritik meinte sogar, so gut war Spielberg seit "Jurassic Park" nicht mehr (zwar ein guter Film, aber der beste von Spielberg? Na ja...).
Einige vermuten hierbei, dass die schlechten Bewertungen eine Trotzreaktion auf das Presseembargo darstellen...

Dies scheint den Zuschauer jedoch nicht zu beeinflußen, und so hat "Krieg der Welten" in Amerika bereits 101 Millionen Dollar eingespielt. Auch in Deutschland strömten schon 820.000 Menschen in die Mutilplex-Lichtspielhäuser und katapultierten Cruise und Co. auf Platz eins der Kinocharts...

Die Monster, die er rief - DIE ZEIT zu "Krieg der Welten"

2005-07-05T00:58:00.000+02:00

Nachdem es keine großen Vorabberichte gab und viele Zeitungen sich entschlossen, gar nichts zu bringen, erscheinen nun doch in kleinen Dosen Besprechungen dieses Film-Spektakels. Wie Katja Nikodemus in der Zeit richtig bemerkt, kehrt Spielberg auch einer bewährten Katastrophen-Film-Technik den Rücken:

"Indem er sich ausschließlich auf die Wahrnehmung dieses Vaters konzentriert, unterzieht Spielberg das normalerweise auf sture Parallelhandlung setzende Genre des Katastrophenfilms einer konsequenten Revision. Weshalb zwischen geschiedenen Ehepartnern, eingeschlossenen Kindern und stirnrunzelnden Wissenschaftlern hin- und herspringen? Wozu die totale Vernichtung noch demokratisieren?"

Wer mindestens zwei Filme gesehen hat, in denen ein Sturm ausbricht, oder ein Vulkan unfassbare Schäden anrichtet, weiß worüber Nikodemus schreibt. Seitenhiebe auf die USA der Jetzt-Zeit erkennt sie ebenfalls in diesem Film nach historischer Vorlage. Inklusiver der "Schläfer"...
Die Zeit - Feuilleton : Die Monster, die er rief

My Favourites: No.1 "The Punisher"

2005-07-02T16:59:00.000+02:00

Comic-Verfilmungen sind nichts neues. Schon früher begannen die großen Hollywood-Studios bekannte "Zeichentrick"-Stoffe auf die Realebene zu portieren (siehe Superman, Batman). Jedoch waren diese Machwerke nicht immer handwerklich gut umgesetzte Effektgewitter oder eine würdige Umsetzung des vorhandenen Materials.
Mit fortschreitender technischer Entwicklung war es zwar möglich, auch schwierige Vorhaben zu realisieren, doch die Maxime "Effekte, Effekte, Effekte" lies vielfach die Story und die in den Comicbüchern vertretenen, teilweise vielschichtigen Charaktere in den Hintergrund treten (so z.B. bei "Spawn"). Bis Sam Raimi (mit "Spiderman") und Bryan Singer ("X-Men") zeigten, dass sich eine eingehende Beschäftigung mit dem Hauptcharakter(en) durchaus mit einer guten Story und einer gehörigen Portion Action und Effekten vereinbaren lies.

Im Zuge der Portierung fand auch Marvel´s "The Punisher" (der einzige Marvel-Charakter ohne Superkräfte) den Weg vom Comic auf die große Leinwand. Für mich persönlich eine der besten Umsetzungen einer bekannten Zeichenvorlage.

Zur Story:
Frank Castle (Tom Jane) ist FBI-Agent und will sich nach einem letzten Auftrag zur Ruhe setzen. Leider geht dieser Einsatz schief und der Sohn von Unterweltboss Howard Saint (John Travolta) kommt dabei unglücklicherweise ums Leben. Aus Rache lässt Saint die gesamte Familie von Castle während einer Familienfeier umbringen. Frank Castle selbst überlebt den Anschlag schwer verletzt und sein einziges Ziel ist es nun, wiederum Rache an den Mördern seiner Frau und seines Sohnes zu üben...

Was zunächst wie ein typisches "Ein Mann sieht rot" Szenario anmutet, würde der Umsetzung nicht gerecht. Zwar ist klar das es sich bei dem Regiedebüt von Johnathan Hensleigh (Drehbuchautor von u.a. "Die Hard 3" und "The Saint") nicht um eine tiefgehende Charakterstudie, sondern in erster Linie um einen Actionfilm handelt, jedoch gelingt die Darstellung des von Rache, Verzweiflung und Trauer angetriebenen Hauptcharakters sehr gut. Dies liegt vor allem am Spiel von Thomas Jane, der es schafft Frank Castle glaubhaft darzustellen und ihm die nötige Tiefe gibt.
John Travolta sieht man zwar nicht in seiner besten (Bösewichts-)Rolle, jedoch gibt er einen ebenbürtigen "Villain" ab.
Und gerade diese "Ebenbürtigkeit" ist es auch, die den Punisher zu keinem typischen Hollywood-Blockbuster macht. Beide Charaktere sind in der Wahl der Mittel nicht gerade zimperlich. Es herrscht das "Auge um Auge, Zahn um Zahn" Prinzip. Während in "anderen" Actionfilmen der "Gute" nur gutes tut, während der "Böse" nur böses tut, verschwimmen hier manchmal die Grenzen. Bei seinem Rachefeldzug vertritt Castle die Maxime "tun, was getan werden muss", und so ist die FSK 18 Einstufung auch durchaus gerechtfertigt. Denn es ist nicht nur die Gewaltdarstellung, sondern eben jene "Ansichten", die durchaus fragwürdig erscheinen könnten, im Gesamtkontext des Films bzw. der Story rund um den Punisher aber durchaus ihre Berechtigung haben.

Was die Actionszenen angeht ist positv anzumerken, dass diese durchaus "langsam" gefilmt wurden, d.h. nicht in schnellen Schnitten untergehen. So kommt auch erst die beste Szene des Films (Castle liefert sich in seiner Wohnung mit "Dem Russen" [Wrestler Kevin Nash] eine großartige Schlägerei) wunderbar zur Geltung.
Für den Spaßfaktor sorgen, neben einigen gut platzierten One-Linern ("Should Not Play with Knives"), Castles skurille Nachbarn, die ebenfalls den Comics entnommen worden sind (soweit ich weiss aus der "Welcome Back, Frank" Serie).

Alles in allem eine der stimmigsten und besten Comicumsetzungen der letzten Zeit und ich bin gespannt, ob Teil 2 (angekündigt für 2006) an diesen (nicht gerade finanziellen) Erfolg anknüpfen kann.

"Frank Castle is dead. Call me...The Punisher"

My Favourites

2005-07-02T16:29:00.000+02:00

Unter diesem Titel sollen Filme bewertet und diskutiert werden, die ich zu meinen persönlichen Favoriten zähle...

Willkommen!!

2005-07-01T14:34:00.000+02:00

Willkommen zum Filmblog! Natürlich gibt es hier noch keinen vernünftigen Inhalt, was aber folgt, sind die (garantiert) subjektiven Besprechungen von "Blockbustern", Kinoklassikern und sonstigen Filmen die irgendwo laufen...